Regie: Peter Jackson. Drehbuch: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, nach dem Roman von Alice Sebold. Produzenten: Carolynne Cunningham, Fran Walsh, Peter Jackson, Aimee Peyronnet. Kamera: Andrew Lesnie. Musik: Brian Eno
Mit: Mark Walberg (Jack Salmon), Rachel Weisz (Abigail Salmon), Saoirse Ronan (Susan „Susie“ Salmon), Susan Sarandon (Grandma Lynn), Stanley Tucci (George Harvey), Michael Imperioli (Len Fenerman), Rose McIver (Lindsey Salmon), Christian Ashdale (Buckley Salmon) u. a.
135 Minuten     (3 von 10 Punkten)

Synopsis: Eine Kleinstadt in Pennsylvania, USA, Dezember 1973. Die vierzehnjährige Susie Salmon nimmt auf dem Heimweg von der Schule die Abkürzung über ein Maisfeld. Dort wird sie vom Nachbarn George Harvey in ein Erdloch gelockt und getötet. Die Leiche wird nie gefunden. Von einer Art Zwischenhimmel aus verfolgt Susie, wie sich die Ermittlungen im Mordfall entwickeln und ihre Familie mit dem Verlust der Tochter umgeht. Sie versucht, die Hinterbliebenen zu kontaktieren.

Kritik: IN MEINEM HIMMEL ist eigentlich nur dann sehenswert und beklemmend, wenn Stanley Tucci als sinistrer Nachbar und Mörder im Bild erscheint. Im Jenseits hat er eine grauenvolle Szene mit Badezimmer, die der Vorstellung eines Guillermo del Toro (PANS LABYRINTH, HELLBOY 2) hätte entsprungen sein können. Im Diesseits und zum Glück wohldosiert häufig genug fasziniert er als Verkörperung des Wolfes im Schafspelz und bekleidet die einzig lohnenswerte Rolle inmitten einer Riege Akteure, die sich mit vorhersehbaren und in trauernder Apathie versinkenden Parts zufrieden geben muss. Sie bleibt das Highlight, die Oscar-Nominierung als bester Nebendarsteller für Tucci ist akzeptabel, allerdings nicht ausreichender Grund, einen ansonsten enttäuschenden Film anzusehen.

Die Romanvorlage aus dem Jahre 2002 führte lange Zeit die amerikanischen Bestsellerlisten an. Inklusive der Kindheitserinnerungen Susies erstreckt sich die Handlung über mehr als 15 Jahre und bietet sowohl ein Abbild der persönlichen Befindlichkeiten, als auch das des Kleinstadtlebens an der amerikanischen Ostküste in den 70er Jahren. Nicht ohne gewisse Längen wird aus der Sicht der toten 14-jährigen Susie erzählt, welche auch detaillierte Beschreibungen ihrer Zwischenwelt nicht auslässt.

Peter Jackson sah wohl Stoff genug, um nach seiner Runde durch die Bombastfilmabteilung zurück zu seinen Wurzeln im intimeren Beziehungskino (HEAVENLY CREATURES, 1994) zu finden. Der Rotstift wurde angesetzt und das üppige Buch entschlackt: Nebenfiguren: Weg! Susies Kindheit: Weg! Alle Geschehnisse in Chronologie gebracht und auf 2 Jahre zusammengepresst. Und die Elemente aus dem Jenseits ausgeweitet. Moment mal: Ausgeweitet?

Tatsächlich – und zu meinem (unser aller Betrachter) Leidwesen – verringert sich deren Zahl nicht im gleichen Verhältnis wie andere Teile der Romanhandlung. Susies Einfluss bleibt nicht bescheiden allgegenwärtig, sondern ist schlichtweg übermächtig. Beim Lesen habe ich die Möglichkeit, jene mich störenden Seiten (Füllsel) wegzublättern. Im Kino muss mich durch all jene Szenen quälen, die mehr Peter Jacksons Vorliebe für optischen Firlefanz ausdrücken als dem Fortgang der Kernhandlung dienlich sind. Die Befindlichkeit von Susie im Jenseits zu erfahren dürfte nur für die Esoteriker unter uns gerade noch von Interesse sein. Wer für einen melodramatischen Spielfilm gekommen ist, den erdrücken die kitschigen am Computer generierten Bilder à la Phototapete bzw. Bildschirmhintergrund schon von Beginn an. In die gleiche Kerbe schlägt die aufdringlich Gefühle betonende Orchestrierung durch Brian Eno. Und selbst Saoirse Ronan, deren misshandelter Susie anfangs unser aller Mitgefühl galt, trägt in ihrer Rolle einen so prägnanten wie einseitigen Gesichtsausdruck zu Markte, der mit zunehmender Filmdauer mehr als bekannt ist.

IN MEINEM HIMMEL wartet mit Schauspielern auf, deren Können einst ausgezeichnet wurde. Er zeigt aber auch die Richtigkeit des Leitspruches, dass aus einer Anzahl guter Einzelkünstler noch lange kein gutes Team wird, zumal für sie von der Kerngeschichte (Kriminalfall und Bewältigung) zu wenig bleibt, um sich auszeichnen zu können. Vielleicht hat sich der falsche Regisseur am Stoff vergriffen? Wenn zum Abspann das elegisch-träge „The Moon’s Lament“ von Cincy D’lequez-Sage gespielt wird, scheint sich Peter Jackson selbst für sein Machwerk entschuldigen zu wollen.

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Bereits im "Gleis" gesehen und für (mehr als) gut befunden: JA, PANIK! aus der österreichischen Hauptstadt ("Wien, du bist ein Taschenmesser") erinnern zwar in ihrem intellektuell-linksradikalen Diskurs / Duktus an bands der Hamburger Schule wie BLUMFELD / JOCHEN DISTELMEYER, DIE GOLDENEN ZITONEN, DIE STERNE und TOCOTRONIC, stagnieren aber nicht etwa wie die zuvor genannten auf allerhöchstem Niveau, sondern haben längst die nächste Stufe auf ihrem unaufhaltsamen Weg zum deutschsprachigen Popmusik-Olymp erklommen: "Die beste band des gesamten deutschsprachigen Raums" (Gleis 22), fürwahr: Das ist keine Übertreibung, sondern vielmehr nüchterne Analyse.

Doch ansonsten ist "alles hin, hin, hin", weil: "Alles Geld, alles Angst". So überzeugend angewidert war selten eine band, die textlich noch dazu zwischen Englisch und Deutsch derart gekonnt oszilliert ("Bitte oszillieren Sie!", TOCOTRONIC), als habe man es hier bloß mit regionalen Dialekten zu tun: THOMAS BERNHARDsche Misanthropie trifft auf schmerzhaft genau ausformulierte Systemkritik trifft auf nervös-hibbeligen und doch zugleich musikalisch ausdifferenzierten post punk, bei dem insbesondere das ansonsten eher selten dominante Piano, respektive keyboard, positiv zu vermerken ist. JA, PANIK!s Musik ist nicht nur diesbezüglich "mehr als die Summe der einzelnen Teile" (KANTE).

JA, PANIK! sind jetzt schon Österreichs beste band aller Zeiten, und wenn die so weiter machen, sind sie es bald und für immer für den gesamten deutschsprachigen Raum. Jedes ihrer Lieder ist ein Manifest: Gegen die Gier, gegen das Geld, gegen den nur scheinbar unwiederbringlichen ERSATZ (Heidegger) von Demokratie / Phantasie / Poesie durch Ökonomie - etwas wohltuend Intelligenteres gibt es derzeit in der deutschsprachigen Popmusik, abseits der oben genannten Hamburger Szenegrößen nicht.

Please welcome, from Vienna, Austria: Das unfasslich herausragende Quintett JA, PANIK! (Plus zwei weitere hörenswerte hiesige indie rock acts!)

::: Links :::

- http://ja-panik.com
- http://www.myspace.com/japanik
- http://de.wikipedia.org/wiki/Ja,_Panik
- http://www.lastfm.de/music/Ja,+Panik

- http://www.peerband.de
- http://www.myspace.com/peeripherie

- http://www.myspace.com/playrewind
- http://www.lastfm.de/music/Play+and+Rewind

Update: Ist schon ausverkauft!

Die Familienband ist aus dem Himmel der 40er und 50er Jahre gefallen. Die Teenager Kitty und Daisy mit Minirock, High Heels, ihrem Bruder Lewis - und in Begleitung ihrer Eltern. Die scheinen ihre Kids mit dem Swingsound gefüttert zu haben! Das Ergebnis ist eine Sensation aus dem Norden Londons. Mit Vollblutgesang, unüberhörbarem britischen Akzent und allen Instrumenten von Klavier, Gitarre, Banjo über Ukulele, Akkordeon, Posaune bis zu Kontrabass, Schlagzeug und Mundharmonika. Volker Sippel, Cheftechniker des Pumpenhauses, konnte die Band für das einzige Deutschlandkonzert gewinnen und damit ein weiteres Highlight in der Reihe „Musik, die unsere Techniker lieben“. Das Konzert startet am Sonntag, 21. März, um 20:30 Uhr, der Vorverkauf hat begonnen.

Zuhause im heimischen Studio entstehen die zwei ersten Singles; dann spielt die Familienband auf zahlreichen englischen Festivals und als Support von Bands wie Razorlight, The Pipettes, Mika, The Concretes und The Cuban Brothers. Die Haupteinflüsse ihrer Songs sind nicht zu überhören. Ihre Plattensammlung reicht von Louis Jordan, Louis Armstrong, John Lee Hooker, Johnny Cash, Little Richard, Mississippi John Hurt über Nina Simone, Ray Charles, Robert Johnson und natürlich Elvis Presley. Im August 2008 erscheint mit "Kitty, Daisy & Lewis" das offizielle Debüt der Durhams. Zehn Songs im Retro der 40er und 50er Jahre, schwungvoll, Rockabilly-mäßig umgesetzte Klassiker, eigene Kompositionen mit viel Gefühl und Leidenschaft.

Auf der Bühne wechseln sie untereinander die Instrumente und präsentieren dem euphorischen Publikum amüsante Texte und schnörkellose Interpretationen, Rhythmen die ins Blut gehen und einfach gute Laune machen.

Vorverkauf

WN-Ticket-Shop, Prinzipalmarkt 13 48143 Münster Tel. 0251/ 69 05 93 und Jörgs CD-Forum, Alter Steinweg 4, Münster, Tel. 0251/ 58889

Theater im Pumpenhaus, Gartenstraße 123, Münster, Tel. 0251/ 233443

» www.pumpenhaus.de

„Metal on metal / It’s what I crave / The louder the better / I’ll turn in my grave“ (Anvil)

„You think I’d crumble / You think I’d lay down and die / Oh no, not I / I will survive“ (Gloria Gaynour)

Synopsis: Cinema Münster, Montag, 22. Februar 2010, 20.30 Uhr. Dies ist eine Vorpremiere, die in Zusammenarbeit mit dem hiesigen, legendären club Gleis 22 zu Stande gekommen ist, also gibt es nicht das sonst übliche Kino-Vorprogramm. Stattdessen steht eine einsame Plattenhülle vor der Leinwand, darauf ein Amboss und die Worte „Anvil – Live in concert“ (Metal Blade Records, 1989). Nebenan steht ein ebenso betagter wie portabler Plattenspieler und dudelt tapfer das vor sich hin, was ein Mitschnitt eines Anvil-Konzertes in Japan Ende der 80er darstellen soll. Was ohnehin schon surreal daher kommt, wird angesichts dessen, was danach 80 Minuten über die Leinwand flimmert, nur noch unglaublicher:

No, THIS ISn’t SPINAL TAP – it’s Anvil!: Dass Anvil tatsächlich existieren, dass es diese band ohne Scheiß wirklich gibt, ist nicht nur angesichts der zahlreichen SPINAL TAP-Momente (Regie: Rob Reiner – ist das nun Zufall oder Schicksal?), die Sacha Gervasi hier eher unfreiwillig vor die Linse und man als irgendwann restlos in Tränen aufgelöster Zuschauer zu sehen bekommt, nämlich dennoch nicht zu fassen:

ANVIL! THE STORY OF ANVIL erzählt die unglaublicherweise wahre Geschichte der Sandkastenfreunde Steve „Lips“ Kudlow (lead vocals / lead guitar) und Robb Reiner (drums) und ihrer band Anvil, welche 1982 mit ihrem gerade erst zweiten Album „Metal on metal“ den Weg für die großen Vier (Anthrax, Megadeth, Metallica, Slayer) des von ihnen quasi erfundenen genres thrash metal ebneten, nur um wenig später in der Versenkung zu verschwinden, sich dennoch nicht aufzulösen und nicht ohne dabei sage und schreibe 10 lächerlich erfolglose Alben heraus zu bringen.

Drehbuchautor, Regisseur und Anvil-fan der ersten Stunde, Sacha Gervasi, begleitet die beiden ungleichen Freunde fürs Leben (Robb ist Sohn eines ungarischen Auschwitz-Überlebenden, Edward Hopper-Verehrer und Kunstmaler, „Lips“ ist das schwarze Schaf seiner gleichfalls jüdischen Familie) auf ihrer größten (und unfasslich desaströsen) Tour seit 20 Jahren durch Schweden, Tschechien, Rumänien, Deutschland etc. im Jahre 2005 und bei den Aufnahmen zu ihrem dreizehnten Album („This is thirteen“, 2007), das, obwohl sie es mit ihrem Lieblingsproduzenten Chris Tsangarides (der nicht nur ihr legendäres „Metal on metal“-Album produziert hat, sondern auch Black Sabbath, Thin Lizzy & Co.) in der beschaulichen englischen Grafschaft Dover aufnehmen, bei keiner Plattenfirma unterbringen können …

Als sich scheinbar alles gegen die zunehmend verzweifelten und sich untereinander zerfleischenden heavy metal-Blutsbrüder zu wenden scheint, erreicht „Lips“ ein Anruf aus Japan …

Kritik: Schlichte Mathematik ist hier ausnahmsweise mal hilfreich: „Monsters of Transylvania“-Festival, Târgu Mures, Rumänien, 2005: Fassungsvermögen der Konzerthalle: 10.000 Zuschauer. Anwesend: 174. Headliner: Anvil. Steve „Lips“ Kudlow dazu im Vorfeld: „10.000 fans! Sogar der Bürgermeister von Transylvanien [sic!] soll da sein!“

Und das ist nur ein „zum Beispiel“.

Drehbuchautor und Regisseur Sacha Gervasi ist auch gerade deswegen schlichtweg ein Genie. Denn wie sehr sich seine Lieblings-band Anvil, insbesondere das ewige, ständig mit weit aufgerissenen, staunenden Augen auf die Welt blickende, Kind in Familienvatergestalt, Steve „Lips“ Kudlow auch am Rande der Lächerlichkeit und bisweilen weit darüber hinaus bewegt, Sacha Gervasi lässt es niemals zu, dass „Lips“, Robb & Co. zu Witzfiguren verkommen.

Stattdessen weint man sich als geneigter Betrachter die Augen aus und ist dank Gervasi auch irgendwann stolz darauf, weil da nämlich keine schwermetallenen Lachtränen in die längst geleerte Bierflasche tropfen (wer denkt schon daran, ausgerechnet Taschentücher in eine heavy metal-Doku mitzunehmen?), sondern weil man Rotz und Wasser über eine Männerfreundschaft vergießt, die rührender ist als CASABLANCA, LOVE STORY und VOM WINDE VERWEHT zusammen. Und das ist noch maßlos untertrieben.

ANVIL ist aber eben nicht nur die GESCHICHTE EINER FREUNDSCHAFT in einer zugegeben etwas antiquiert tönenden thrash metal band, gegen deren output selbst Iron Maiden progressiv klingen, sondern auch eine Ode an das Durchhaltevermögen des menschlichen Geistes, ein TRIUMPH DES WILLENS, ohne falsches Pathos, ohne unreflektierte Heldenverehrung und vor allem ohne auch nur irgendetwas beschönigen zu wollen:

Nach dem schönsten happy end der Dokumentarfilmgeschichte stehen „Lips“ und Robb zwar exakt an der Kreuzung in Shibuya, Tokio, Japan, an der sich vor gar nicht allzu langer Zeit die Wege von Bill Murray und Scarlett Johansson in einem der schönsten Liebesfilme aller Zeiten trennten: LOST IN TRANSLATION. Dabei haben sie am Ende nichts weiter erreicht, als auf einem metal festival als erster act auf dem line-up, um 11.35 Uhr morgens, das Haus zu rocken.

Schlichte Mathematik ist hier ausnahmsweise mal hilfreich: Tokio, Japan, 2007: Fassungsvermögen der Konzerthalle: 20.000 Zuschauer. Anwesend: 20.000. Opening act: Anvil. Steve „Lips“ Kudlow dazu, später: „Look, Godzilla!“

P.S.: Anvil haben bis heute keinen Plattenvertrag. Sie vertreiben ihre Platten, t-shirts, ihre Autobiographie (quasi das Buch zum Film, mit einem Vorwort von Slash) und sonstigen merchandise über ihre homepage.

Kaufen! Alles!

Sonst Satan.

(Kinostart: 11. März 2010)

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Regie: Jason Reitman. Buch: Jason Reitman und Sheldon Turner. Nach dem Buch von Walter Kirn. Kamera: Eric Steelberg. Schnitt: Dana E. Glauberman. Musik: Rolfe Kent
Mit: George Clooney (Ryan Bingham), Vera Farmiga (Alex Gohan), Anna Kendrick (Natalie Keener), Jason Bateman (Craig Gregory), Danny McBride (Jim Miller), Melanie Lynskey (Julie Bingham), Amy Morton (Kara Bingham) u. a.
109 Minuten      (7 von 10 Punkten)

Synopsis: USA, Gegenwart. Ryan Bingham ist ein gut situierter, perfekt organisierter und frei von emotionalen Bindungen lebender Flugnomade Ende 40, dessen Aufgabe es ist, Angestellten anderer Firmen die Kündigung im persönlichen Gespräch beizubringen. Auf einer seiner Reisen lernt er die seelenverwandte Vielfliegerin Alex Gohan kennen. Als seine neue Kollegin Natalie Keener ein Verfahren der Entlassung per Video-Mitteilung vorschlägt, nimmt er die Novizin mit auf Tour, um sie Vor-Ort-Erfahrung machen zu lassen. Die Nähe zu den beiden Frauen sowie die Hochzeit seiner Schwester führen schließlich dazu, dass Bingham den Wert seiner Lebensführung überdenkt.

Kritik: Regisseur und Autor Jason Reitman erklärte in einem Interview, seine beiden letzten Filme THANK YOU FOR SMOKING (2006) und JUNO (2007) seien nur wegen guter Kritiken und seiner Überzeugungsarbeit vom Publikum besucht worden, während UP IN THE AIR allein durch die Erwähnung von George Clooney die Kinos fülle*. Klar ist: Die Fans des 48-jährigen Stars werden nicht enttäuscht. Clooney Darstellung eines smarten Singles mit Platin-Karten und VIP-Status ringt zugleich Bewunderung und Amüsement ab, die Choreographie bewährter Handgriffe und Laufwege im Flughafen-Dschungel gleich zu Filmbeginn ist meisterhaft inszeniert, der Off-Kommentar vergnüglich. Nach wenigen Minuten wird deutlich, dass Reitmans Filme keine Zufallserfolge waren.

Clooneys Performance als Bingham ist selbst dann faszinierend, wenn er souverän und aalglatt völlig arglosen Angestellten die Kündigung mitteilt und sein Repertoire an wohlplatzierten Gesten, Tonfällen und Worthülsen zum Besten gibt. Ein Profi, der das Verkünden von Hiobsbotschaften zu einer Kunst gemacht hat. Aus seiner Motivation macht er keine Mördergrube. Als Redner in Motivationsseminaren betitelt er abfällig beziehungstreue Menschen als “monogamous swans”, sich selbst jedoch als “shark”, der persönliche Bindungen als Last empfände, die er wie einem Rucksack mit sich trüge.

Dass solche Charaktere zu bekehren sind, liegt in der Erwartung des Publikums. Mit einer großartigen Vera Farmiga als Alex wird Clooney auch ein Co-Star mit genügend Präsenz und Gewicht gegenüber gestellt, um ihm Paroli zu bieten. Wenn sie aufeinander treffen, knistert es merklich in der Luft. Ein Exkurs vom glamourösen Parkett seiner Arbeitswelt weg zur Hochzeit der Schwester leitet dann unweigerlich die Katharsis ein. Das ist nicht unvorhersehbar, die Atmosphäre driftet merklich ins Sentimentale ab, Binghams Familie gleicht vom Aussehen und Verhalten sehr den “Normalos”, die er fortwährend feuert …, wenn’s hier nicht passiert, wann dann?

Indes: Regisseur Reitman sträubt sich gegen die Bezeichnung “romantische Komödie”. Sein Film soll auch eine Kritik an gegenwärtigen Kapitalismus und der Hire&Fire-Mentalität sein. Nicht umsonst wurden Laien-Darsteller aus dem Raum Detroit und St. Louis gecastet, die unlängst selbst den Job verloren hatten. Die (Langzeit-)Wirkung ihrer authentischen Aussagen ist allerdings begrenzt. Der Zynismus geht unter angesichts der anderen Aspekte der Haupthandlung, die ins Komödiantische laufen. Reitman hat ein Händchen für spritzige Dialoge (insbesondere die Rivalität zwischen Bingham und der forschen Newcomerin Natalie zählen zu den Highlights), als Unterstreichung der Kritik an der Freisetzung von menschlichen Produktionsmitteln sind sie hingegen kontraproduktiv.

UP IN THE AIR erhält von der Kritikergemeinde fast durchweg gute Beurteilungen, und jene waren für mich der Grund, den Film anzusehen. Jetzt muss ich mich aber der zutreffenderen der weniger namhaften Wochenschau “na dann” anschließen: Jason Reitmans gewagte Gradwanderung zwischen Kapitalismuskritik und Feel-Good-Komödie ist zwar der richtige Film zur richtigen Zeit, aber dennoch zu schablonenhaft und vorhersehbar, um länger als auf dem Nachhauseweg hängen zu bleiben.**

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*Sight and Sound, 20 (2010) 2, S. 30
** sirk in: na dann, Ausgabe 5 (2010) = 04.-10.02.2010, S. 4

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WILLY VLAUTIN stammt aus Reno, Nevada, wo er mit 16 Jahren seine erste band gründete. Da ihm dort aber nur Kojoten zuhören wollten, zog er nach ... gähn ... wohin wohl ... genau ... (indie music capital of the western hemisphere) Portland, Oregon. Dort gründete er 1994 die band RICHMOND FONTAINE, welche seitdem zwölf Alben (mit so illustren Gastmusikern wie HOWE GELB, CALEXICO, usw.) veröffentlicht hat, die man nahezu allesamt bei Glitterhouse Records käuflich erwerben kann.

Im Grunde seines Herzens ist WILLY allerdings Romancier, den man bereits mit RAYMOND CARVER und JOHN STEINBECK verglichen hat. (Auf deutsch sind im Berlin Verlag bislang "Motel Life" und "Northline" erschienen - beides todtraurige Werke über Ausgestoßene der Gesellschaft in den an Casinos reichen, an menschlicher Wärme allerdings armen Neonlichtwüstenoasen Reno, bzw. Las Vegas, Nevada.) Seinen schriftstellerischen background lässt er auch in die Musik seiner band einfließen, die man getrost als im besten Sinne konservativ instrumentierten alternative country titulieren kann. VLAUTINs Texte allerdings sind es, die RICHMOND FONTAINE aus der Masse dieses genres hervor heben und die das Quartett als "literarische band" in die Nähe von Gruppen wie OKKERVIL RIVER oder SHEARWATER rücken lässt.

Einen Mädchenschwarm wie OKKERVIL RIVERs WILL SHEFF haben RICHMOND FONTAINE allerdings nun mal so gar nicht zu bieten, vielmehr ist man allesamt so um die 40, leicht angegraut und bauchansätzig, also nicht gerade hip, in etwa so wie THE WRENS. Brauchen sie auch nicht zu sein, angesichts ihrer tief in US-amerikanischer roots music verwurzelten Stücken, die trotzdem immer mit reichlich pop appeal versehen sind, ohne dabei gleich DECEMBERISTSsche Orchestralität anzunehmen: RICHMOND FONTAINE sind eine durch und durch sympathische, völlig unprätentiöse und immer auf dem Boden gebliebene band, die es erst mit ihrem jüngsten Album mit dem schönen Titel "We used to think the freeway sounded like a river" in die charts geschafft haben ... in Großbritannien - RICHMOND FONTAINE: File under "work", not "hype".

Im Vorprogramm gibt es die weitaus jüngeren SUSANNE STANGLOW und ULRICH SCHMITZ mit ihrem traumhaften neo folk auf die Ohren, welche sich als isländisches Geschwisterpärchen unter dem Namen HARUKO & HLYNUR GUDJONSSON tarnen. Dabei stammt man / frau aus dem an Geysiren eher armen Osnabrück, wohnt jetzt in Bremen, singt Englisch und ist auch sonst schwer kosmopolit. Und traurig: Denn "sad folk" lautet die Selbstbezeichnung der beiden für das, was sie Euch darbringen wollen, wobei diesbezüglich natürlich die Referenzfolie BONNIE "PRINCE" BILLY aus der genre-Schublade gezogen werden muss.

::: Links :::

- http://www.willyvlautin.com
- http://en.wikipedia.org/wiki/Willy_Vlautin
- http://www.berlinverlage.de/autor/autorDetails.asp?autorID=661

- http://www.richmondfontaine.com
- http://www.myspace.com/richmondfontaine
- http://en.wikipedia.org/wiki/Richmond_Fontaine
- http://de.wikipedia.org/wiki/Richmond_Fontaine
- http://www.lastfm.de/music/Richmond+Fontaine

- http://hlynur.tumblr.com
- http://hlynurgudjonsson.hl.funpic.de
- http://www.myspace.com/hlynurgudjonsson
- http://www.lastfm.de/music/Hlynur+Gudjonsson

„And if you love him / Oh, be proud of him / ‘Cause after all he’s just a man / Stand by your man“ (Tammy Wynette)

„I know it’s hopeless hell / Ain’t big enough to hold us back / Come on let’s pick a fight / We hunt for trouble tonight“ (Astronautalis)

Synopsis: Die drei Brüder Son (Michael Shannon), Boy (Douglas Ligon) und Kid (Barlow Jacobs) Hayes, allesamt verarmte Gelegenheitsarbeiter, sind nicht nur Abkömmlinge des white trash der amerikanischen Südstaaten (in diesem Fall Arkansas), sondern auch verbitterte Sprösslinge einer kaputten Familie.

Ihr verhasster Vater dagegen hat in ihren Augen den Absprung geschafft, eine neue Frau geheiratet und ihre noch verhassteren Stiefbrüder aufgezogen – ihr Anblick allein bedeutet stete Demütigung.

Als Vater Hayes stirbt, kommt es bei seiner Beerdigung zum längst überfälligen Eklat: Son redet schlecht über ihn und spuckt auf den Sarg. Eine Schlägerei während der Trauerzeremonie kann gerade noch verhindert werden, doch die vier Halbbrüder von Son, Boy und Kid wollen diese Schmach nicht ungesühnt lassen: Sie töten Boys’ Hund Henry mit Hilfe einer ausgesetzten Giftschlange.

Kritik: Jeff Nichols, zusammen mit seinem Bruder Ben, der hier mit seiner band Lucero den kargen, aber wunderschönen soundtrack beisteuert, in Arkansas aufgewachsen, hat seinem Heimatstaat, der hierzulande wohl nur dadurch einen gewissen Bekanntheitsgrad erreicht hat, weil der ehemalige US-amerikanische Präsident Bill Clinton dort mal Gouverneur war, mit seinem Drehbuch- und Regiedebüt ein wenig schmeichelhaftes filmisches Denkmal gesetzt, in etwa vergleichbar mit dem bitteren Abgesang von Phil Morrison auf dessen Heimat North Carolina in dem wunderbaren JUNEBUG.

War Morrisons Werk immerhin noch von anheimelndem Humor durchdrungen, hellt in SHOTGUN STORIES allerdings keinerlei Lächeln oder beiläufig angedeuteter Witz die triste Szenerie auf: Nichols umschifft nahezu sämtliche optisch nahe liegenden Südstaaten-Klischees (Arkansas sieht überraschenderweise aus wie Ostwestfalen), wobei sein Kameramann Adam Stone dennoch immer wieder „Bilder zum Niederknien“ (epd Film) findet, was die durchweg düstere Grundstimmung der SHOTGUN STORIES aber auch nicht retten kann:

Präzise und unerbittlich dokumentiert, nehmen die Blutrache-Gelüste der eigentlich gar nicht so verschiedenen Halbbrüder ihren verhängnisvollen Lauf, doch die Gewalt wird dankenswerterweise nur angedeutet. Vielmehr sind es die verhärmten und verhärteten Gesichter, allen voran das des wieder einmal erschütternd intensiven Michael Shannon, der hier erneut eine Oscar-reife performance, wie schon in ZEITEN DES AUFRUHRS geschehen, abliefert, die den wahren Schrecken, der von diesem American gothic-Gespenst von Film ausgeht, unbarmherzig verbreiten.

Nicht nur was die Ausblendung von Brutalo-Szenen angeht, unterläuft SHOTGUN STORIES, während sich die gelinde gesagt unangenehme Handlung zu einem wahren Blutschwall zu entwickeln droht, dabei konsequent etwaige Erwartungshaltungen des dennoch jederzeit unangenehm berührten Publikums:

Denn das „Ende“ von SHOTGUN STORIES treibt dieses gekonnte Spiel nur noch auf die Spitze – es lediglich „offen“ zu nennen, wäre eine Untertreibung. Plötzlich hält die Gewaltspirale inne, fast sowas wie Hoffnung ist dann doch endlich spürbar, die allerdings angesichts des gewaltigen 90 Minuten andauernden Schattens, die Nichols & Co. einem hier auferlegen, einfach nur trügerisch daher kommen kann.

SHOTGUN STORIES schafft es, mit karger Bildsprache und rudimentärer Tonspur, männliche Gewalt und die grenzenlose Dummheit, die mit ihr einher geht, ohne falsches Pathos oder gar einen Anflug von Moralgedusel auf die Leinwand zu bringen: Ländliches, nicht nur geographisch gesehen weitab von Hollywood funktionierendes Kino, das allerdings bei Betrachtung wenig Freude hinterlässt, weil hier alle Charaktere wie menschliche Sprengkörper durch die Gegend laufen, jeglicher Humanismus im Keim erstickt wird und sich ein Gefühl von solch grenzenlosem Kummer breitmacht, dass SHOTGUN STORIES, so sehenswert er auch sein mag, einem nicht nur das Cinéasten-Herz, sondern gleich auch noch den Rücken bricht.

Und sich nicht eine Sekunde dafür schämt.

Was für ein böser Film.

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„Fuck the devil!“ (Reverend Deadeye)

Synopsis: Slowboat Films, die Frankfurter Produktionsfirma, welche es sich zu ihrem Markenzeichen hat werden lassen, derartige Obskuritäten abseits des musikalischen mainstreams auf Zelluloid zu bannen, dass man nicht mal mehr auf sie stößt, wenn man zufällig auf dessen Nebenarmen schippert, schickte vor zwei Jahren Regisseur und Drehbuchautor M.A. Littler und dessen winziges Filmteam nach Texas und Louisiana, um einem Mann (und seinem gleichfalls über alle Maßen begabtem Freundeskreis) nichts weiter als sein filmisches Denkmal zu setzen: Jon Konrad Wert alias Possessed By Paul James.

Das deutsche Filmteam trifft in ihm auf einen werdenden Vater, dessen schon in seinem Künstlernamen angedeutete Besessenheit, in seinem Fall für US-amerikanische roots music mit den an ihn gerichteten Forderungen einer konformativen (und gelinde gesagt konservativen) Gesellschaft kollidiert; der aber auch eine Antwort darauf finden muss, wie er es als dem Alkohol nicht gerade abgeneigter hillbilly-Musiker inmitten einer um ihn herum verfallenden Südstaaten-Kulisse aus schäbigen Bars und barbecue grills, fluchtartig verlassenen Eigenheimen und herunter gekommenen Tankstellen schaffen soll, mit seiner so hingebungsvollen wie unkommerziellen Musik Geld für seine in den Wehen liegende Familie zu verdienen.

Kritik: Als Kinofilm, so hart muss das Urteil leider ausfallen, scheitert THE FOLK SINGER, zumindest nach herkömmlicher Betrachtung. Musikdokumentationen sind im Grunde ein dankbares Genre, haben die Filmemacher doch immerhin die Möglichkeit, auch mal Nicht-Cinéasten ins örtliche Lichtspielhaus zu locken, wenn der oder die porträtierte Musiker/-in eine stattliche fan-Schar im Laufe seiner oder ihrer Karriere versammelt hat, dass man ihnen auch zweidimensional gerne zuhören möchte.

Man kann sogar Musiker/-innen, die nichts weiter verbindet als ihr Instrument, gemeinsam vor die Kamera stellen und das erfolgreich vermarkten, wenn die Namen der Protagonisten/-innen nur bekannt genug sind, so zuletzt geschehen bei Davis Guggenheims IT MIGHT GET LOUD: Eine sehenswerte Dokumentation, bei der man aber in jeder Sekunde spürt, dass der Regisseur von seinem sujet keinerlei Ahnung hat. Funktioniert dennoch.

M.A. Littler schert sich einen Dreck um diese Konventionen, und diese Halsstarrigkeit wird THE FOLK SINGER im Grunde genommen zum Verhängnis. Ihm reicht es nämlich nicht, eine „schale“ Dokumentation über Possessed By Paul James alias Jon Konrad Wert, Scott H. Biram alias Scott Biram und Reverend Deadeye alias wer-auch-immer zu drehen, dafür sind seine Protagonisten einfach zu schillernde Persönlichkeiten, auch abseits der herunter gekommenen Bühnen, auf denen sie performen. Littler baut daher Spielszenen ein, um die Grenzen zwischen ohnehin schon Fiktion annehmender Realität und Drama bis zur Unkenntlichkeit zu verwischen – doch diese Koketterie mit dem schwierigen Bastard mockumentary tut THE FOLK SINGER einfach nicht gut.

Irgendwann, und zwar schneller als angesichts ihres selbst in den USA geringen Bekanntheitsgrads gedacht, werden Jon Konrad Wert und seine Freunde als rein dokumentarisch porträtierte Figuren nämlich so eindrucksvoll und übermächtig (und streckenweise zum Brüllen komisch), dass die vage Form, mit der hier nur andeutungsweise dokumentiert wird (vor allem, was die Jungs im Stande sind, zu saufen – Himmel, nochmal!), ihrem hinreißenden Leinwandpotential im Wege steht.

THE FOLK SINGER glaubt leider, die Verweigerung seiner Protagonisten dem US-amerikanischen mainstream gegenüber eins zu eins auf Film bannen zu müssen, dabei hätte es Jon Konrad Wert & Co. besser gestanden, wenn man einen waschechten Dokumentarfilm, von mir aus mit all den sattsam bekannten und hier zum x-ten Male aufgewärmten audiovisuellen Südstaaten-Klischees angereichert, über sie produziert hätte: Denn wer sich nicht und vor allem stante pede und dies auch nur beispielsweise in Scott (H.) Biram verliebt, diesen suizidgefährdeten, übergewichtigen Alkoholiker mit seinem alles versengenden, großartigen Humor, dessen menschliche Wärme allein die Leinwände von Austin, TX bis Münster, NRW in lodernde Riesenfackeln verwandeln kann, der (oder seltener auch die) hat kein Herz. Und wird auch keins transplantiert bekommen.

Das Wunder, das THE FOLK SINGER letztendlich darstellt, speist sich nämlich allein aus den Menschen, die er fokussiert, wobei er dummerweise die Blende ständig unscharf zu stellen vermeinen muss: Jon Konrad Wert, besessen nicht nur von den Dämonen seiner Vorfahren (sein Vater und sein Großvater hießen Paul und James), sondern auch von der gesamten brutalen und ständig glorifizierten Geschichte der US-amerikanischen Südstaaten, die er in seinen, die Leinwand zum Erzittern bringenden live performances, bei denen man sich unweigerlich an Szenen aus DER EXORZIST erinnert fühlt, auslebt, braucht keine mehr oder weniger kunstvoll in den dokumentarischen „plot“ einfließenden Spielfilmszenen: Er, seine Freunde und seine im sechsten Monat schwangere Frau, mit der er einen Liebestanz von solch berückender Anmut zelebriert, dass man(n) heulen könnte, sind Sensation genug.

Sicher, die Bilder, die Kameramann und Co-Produzent Philip Koepsell hier einfängt, sind ebenso berückend schön … bekannt. Und: Sicher, auch die Jahrhunderte alte Musik, der hier gehuldigt wird, ist ebenso schön … und eben uralt und schon lange kein Gassenhauer mehr. Doch die Hingabe, mit der sie hier vorgebracht wird, mit all ihren Begleiterscheinungen, hauptsächlich leider Alkoholismus und (menschlicher, natureller und urbaner) Verfall, ist so rückhaltlos ergreifend, dass man der angestrengt obskuren Machart des Films gerne verzeiht.

THE FOLK SINGER ist dann letzten Endes ebenso rückhaltlos ergreifend. Was hier an schmutzigen Juwelen fernab jeglicher Popkultur – der Begriff „indie“ greift in jedem Fall zu kurz – auf- und freiwillig, sei es aus berechtigter Schüchternheit und noch berechtigterer Misanthropie wieder untertaucht, … das ist zu kostbar, als dass 104 Minuten dem genügen würden.

Und was bleibt ist in keinem Fall ein Fazit oder ein Schlussstrich, sondern ein in Tränen aufgelöster Jon Konrad Wert, der allein in seinem Motelzimmer mit seinem Banjo und dem traditional „Wayfaring stranger“ zurück bleibt und den man in den Arm nehmen möchte, um vielleicht, irgendwie, Trost zu spenden:

„Nein / Niemand ist allein / Und wir haben die Musik …“ (Tom Liwa)

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Regie: Yojiro Takita. Drehbuch: Kundo Koyama. Kamera: Takeshi Hamada. Produktion: Toshiaki Nakazawa, Ichirô Nobukuni, Toshihisa Watai. Musik: Jô Hisaishi u. a.
Mit: Masahiro Motoki (Daigo Kobayashi), Ryoko Hirosue (Mika Kobayashi), Tsutomu Yamazaki (Ikuei Sasaki), Kazuko Yoshivuki (Tsuyako Yamashita), Kimiko Yo (Yuriko Kamimura), Takashi Sasano (Shokichi Hirata) u. a.
130 Minuten     (7 von 10 Punkten)

Synopsis: Tokio, Gegenwart. Daigo Kobayashi hat gerade einen Vertrag als Profi-Cellist in der Tasche, als das Orchester aufgelöst wird. Er und seine Frau Mika ziehen in den Norden, in die Präfektur Yamagata und in das alte Haus seiner Mutter. Sie ahnen nicht, dass sich hinter einer Stellenanzeige für die Mitarbeit in einem „Reisebüro“ die Anstellung als Bestatter verbirgt. Daigo nimmt den Job an und lernt, in einer Zeremonie Verstorbene in Beisein der Angehörigen für die Sarglegung vorzubereiten. Er findet allmählich Gefallen an der Arbeit, aber Vorbehalte von Frau und Freunden schlagen ihm entgegen.

Kritik: Der Film beginnt mit einem Paukenschlag: Im Konzertsaal wird Beethovens „Ode an die Freude“ wird gespielt, der Chor skandiert lautstark. Im Kopf des Betrachters braust es gewaltig, die Aufmerksamkeit auch des letzten Kino-Hinterbänklers ist geweckt. Indes: Nach dieser pompösen Eröffnung endet der Höhenflug jäh: Die anschließende Ansprache des Orchesterbesitzers vor den Angestellten besteht aus exakt 4 Wörtern: „Das Orchester wird aufgelöst“. Verbeugung, Abgang.

Tragik, Humor und Haltung vereinigen sich in dieser Szene, die beispielhaft für die Grundstimmung von NOKAN ist. Durch den ganzen Film weht eine Melancholie, die aber bei weitem nicht erdrückend ist, sondern würdevoll, friedlich, bisweilen wie aus einer anderen Zeit stammt. NOKAN ist, wie klassische Orchestermusik an sich, von Anfang bis Ende durchkomponiert: Die Metropole Tokio wird rasch gegen die Provinzialität von Yamagata ausgetauscht. Daigo ist ein höflicher, introvertierter Mann, seine junge Frau liebevoll und folgsam. Im Haus der verstorbenen Mutter scheint die Zeit still zu stehen, und auch das Bestattungsinstitut verströmt als Familienbetrieb in beengten Verhältnissen den Hauch vergangener Dekaden. Die Zahl der namentlich Handelnden bleibt übersichtlich, die Interaktionen entwickeln sich in angenehmer Weise und harmonischer Vorhersehbarkeit. Dass Daigos verschwundener Vater dessen Gegenwart überschattet und die Aufklärung seines Schicksals mit zunehmender Filmdauer zum Sub-Plot wird, kann bei kritischer Betrachtung gar als störender Exkurs von der Gutmenschwelt eingestuft werden.

Eine hektische und intellektuell anspruchsvolle Handlung wäre auch zu kontrastreich zum zentralen Hauptaugenmerk des Films: Die Zelebration der Aufbahrung bzw. Sarglegung (= NOKAN wörtlich übersetzt) und die einfühlsame Darstellung der Trauer der Hinterbliebenen. Für das deutsche Publikum, das verstorbene Angehörige bestenfalls im offenen Sarg ein letztes Mal zu Gesicht bekommt, mag die Vorstellung unangenehm sein, bei der Waschung und dem Schminken in den Privatgemächern anwesend zu sein. Die Kunst, die der Okuribito (= sendender, hinaus begleitender Mensch) vollführt, wirkt aber zu keiner Sekunde albern, peinlich oder gar eklig. Als uns, dem Publikum, beim fünften oder sechsten Todesfall Teile der Ablaufes bereits bekannt sind, halten wir trotzdem schweigend inne, um die weihevolle Zeremonie auf der Leinwand nicht zu stören. Auf besonders hässliche oder arg zugerichtete Leichen wird allerdings verzichtet, und mehr als das Gesicht des Toten bekommen wir – wie auch die Angehörigen – nicht zu sehen.

NOKAN unterstreicht in buddhistisch durchdrungener Weise, dass Leben und Tod eine Einheit bilden, das Sterben ein Übergang ist und der Existenz zwingend innewohnt. Neben den Zeremonien wird dies durch lange Autofahrten über einsame Landstraßen deutlich, dem Vergehen der Kirschblüten im Frühling, dem Fluss mit den Lachsen, die zu ihren Laichplätzen ziehen etc. Immer wieder hören wir Daigos Cellomusik, oft ist er konzentriert spielend im Bild. Will man den Film in Wirkung und Aussage genießen, muss man sich auf bisweilen großzügig Aufgetragenes einlassen. NOKAN belohnt dann mit liebenswerten Charakteren, (unfreiwilliger) Komik und einem Meer besinnungsvoller Gelassenheit.

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„The most amazing scene in Iceland is arts and music. It just keeps the city alive. The city would be completely dead without it.“ (Emilíana Torrini)

Synopsis: Im Jahre 2006 brachen die Münsteraner Mediendesigner Carsten Christochowitz, Christian Hund (selber, unter seinem Alter Ego Herr Hund bei „Omaha Records“ unter Vertrag stehender Musiker) und Uwe Wältring, zusammen mit dem multinationalen „Hypno Theatre“, bestehend aus Hjörleifur Jónsson (Leiter / Musiker, Island), Magdalena Mayas (Musikerin, Tschechien), Jan Terstegen (Musiker, Deutschland), Ravi Srinivasan (Musiker, Indien), Frances Jane Ball (Puppenspielerin, England) und Mandy Burton (Puppenspielerin, England) nach Island und Grönland auf, um die dortigen Grundschulen mit ihrem Stück MUSIC FROM THE MOON zu bespielen.

In dessen nordischer Heimat lernen die Filmemacher und das Ensemble, bedingt durch die zahlreichen kulturellen Verbindungen ihres isländisch-künstlerischen Leiters Hjörleifur Jónsson, die dortigen (Indie-)Musikszenen näher kennen, darunter die inzwischen zur nächsten Björk mutierte Emilíana Torrini („Jungle drum“), Islands next big thing Benni Hemm Hemm und Grönlands local heroes Naneruaq und Ole Kristiansen.

Kritik: Irgendwie beruhigend, dass selbst Isländer Eislandschaften noch beeindruckend finden. Hjörleifur Jónsson, Leiter des „Hypno Theatre“, sitzt inmitten der Eisberge von Aasiaat, Grönland und kommt aus dem Staunen nicht mehr heraus: „This is amazing …“

Mit diesen pittoresken Einstellungen beginnt und endet dieser SCENIC DOCUMENTARY FILM ABOUT MUSIC IN ICELAND AND GREENLAND – dazwischen hat sich das, was eigentlich bloß ein Werbefilm über das sowohl akustisch wie visuell auf hohem Niveau spielende „Hypno Theatre“ hatte werden sollen, in beeindruckenden Bildern an eben diesem „Amazing …“ abgearbeitet: Dass es eine vitale Musikszene in Island gibt, ist ja hinlänglich nicht erst seit Björk und Sigur Rós bekannt, aber Musik aus diesem weißen Fleck auf der Landkarte, den man trotz seiner Größe irgendwie ständig übersieht? Grönländischer Pop?

Hierin liegt der besondere Reiz von MUSIC FROM THE MOON: Er gewinnt nicht nur der isländischen (Indie-)Musikszene neue Sa/eiten ab, sondern wagt es auch konsequent, sich zur Mitte des Films aus der beschaulichen Geysir-Idylle zu verabschieden und den Fokus auf ausgerechnet Grönland zu legen, dessen Name „Grünland“ angesichts der Klimaerwärmung bald sichtbare Folgen nach sich ziehen dürfte. So zählen dann auch die Begegnungen mit den Protagonisten der grönländischen (Musik-)Kultur zu den audiovisuellen Highlights des Films.

Highlights hat MUSIC FROM THE MOON tatsächlich en masse zu bieten, doch seinen thematischen Fokus weiß er nicht zu fixieren. Unterfüttert von den anfangs noch beeindruckenden, auf Dauer aber ein wenig zu gewollt, wenn nicht gar redundant platzierten Landschaftsaufnahmen der Gletscherlandschaften Islands und Grönlands, changiert MUSIC FROM THE MOON ein wenig zu unentschlossen zwischen dem eigentlichen Thema das Films, nämlich der Tour des „Hypno Theatres“ durch nordische Grundschulen, Insider-Aufnahmen der polaren Popmusik-Szene und „Boah! Urlaub, here we come!-Stilleben hin und her, ohne das ein roter Faden wirklich erkennbar wird. Auch ist die zeitweise zelebrierte Nähe zu den Mitgliedern des „Hypno Theatre“ angenehm, aber auch irritierend, weil sie sonst niemals erreicht wird: Dank Hjörleifur Jónsson lernt man Mitglieder von Sigur Rós und Múm kennen, ferner Emilíana Torrini, deren Welthit „Jungle drum“ damals noch gar nicht geschrieben war und den eigentlichen musikalischen Protagonisten des Films, Benni Hemm Hemm (der auch die Weltpremiere im ausverkauften Münsteraner „Cineplex“ musikalisch einleitete), doch die immer wieder eingestreuten Interview-Schnipsel haben leider oftmals zu sehr Smalltalk-Charakter, als dass sie den Porträtierten wirklich Erhellendes entlocken könnten.

Was Grönland allerdings anbelangt, leistet MUSIC FROM THE MOON in jedem Fall Pionierarbeit und trifft dabei auf ein Land, das sich, vor allem Dank des Kulturzentrums „Katuaq“ in der Hauptstadt Nuuk, erst wieder auf seine eigenen Wurzeln zu besinnen beginnt. Wie lebenswichtig die „schönen Künste“ nördlich des Polarkreises sind, wird auch am kleinen Pendant des „Katuaq“ in Ilulissat deutlich: Seitdem man dort die verheerende Kombination aus Arbeitslosigkeit und Alkoholismus vor allem unter den jungen Inuit mit Kultur konfrontiert, ist die Selbstmordrate deutlich gesunken. Trotzdem scheint MUSIC FROM THE MOON das erste Theaterstück zu sein, das dort jemals gastiert hat: Ilulissat verabschiedet sich von der Multikulti-Truppe so applaus- wie offenbar ratlos.

Was die isländische (indie) music scene wiederum anbelangt, muss man aber, trotz der neuen Sa/eiten, der man tatsächlich ersichtlich werden darf, zu dem Schluss kommen, dass der 2005 ebendort produzierte Dokumentarfilm GARGANDI SNILLD / SCREAMING MASTERPIECE, der allerdings auch mit den ganz großen Namen (Björk, Sigur Rós) aufwarten konnte, MUSIC FROM THE MOON diesbezüglich den Rang abläuft. Worauf man wiederum einwenden muss, dass dieser Vergleich schlichtweg unfair ist, denn schließlich sollte das hier bloß ein Werbevideo in Kurzfilmlänge werden.

Und was dabei endlich heraus kam, ist sehenswert. MUSIC FROM THE MOON, so unausgegoren er auch sein mag, braucht einen Verleih. Er hat ihn verdient.

Und als Gesprächsthema für globetrottende Indie Rocker, die des Films hoffentlich nicht nur im arte-Spätprogramm in allzu ferner Zukunft ersichtlich werden, reicht er ohnehin allemal:

„Hast Du diesen Film gesehen?“
„Jupp. Gitarre ist gepackt, Tickets sind gebucht, Dackel hat Schlittenhundtraining absolviert. Aasiaat, here we come!“

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Regie: Anno Saul. Drehbuch: Jan Berger, nach dem Roman „Die Damalstür“ von Akif Pirinçci. Kamera: Bella Halben. Musik: Fabian Römer
Mit: Mads Mikkelsen (David Andernach), Jessica Schwarz (Maja Andernach), Valerie Eisenbart (Leonie Andernach), Thomas Thieme (Siggi), Tim Seyfi (Max), Heike Makatsch (Gia) u. a.
103 Minuten      (6 von 10 Punkten)

Synopsis: Deutschland, Gegenwart. Maler David Andernach vögelt gerade mit der Nachbarin, als seine 7-jährige Tochter im Pool ertrinkt. Fünf Jahre später: Davids Ehe ist zerbrochen, seine Existenz ruiniert, er beschließt sich umzubringen. Vor seinem alten Haus folgt er einem Falter in einen Felsengang, an dessen Ende eine Tür zur Welt vor 5 Jahren führt. Er kann seine Tochter rechtzeitig retten. In Notwehr tötet er sein Alter Ego, als jenes ihn für einen Einbrecher hält, und vergräbt die Leiche im Garten. Er nimmt sein Leben als neuer alter Vater und Ehemann auf.

Kritik: Der Film DIE TÜR hat durchaus das Zeug, eines Montags in den gängigen TV-Zeitschriften als „Spielfilm des Tages“ ausgezeichnet zu werden. Von jenen deutschen Produktionen, die gemeinhin in der Sendereihe „Fernsehfilm der Woche“ gezeigt werden, unterscheidet er sich nur durch die Verpflichtung des international bekannten Mimen Mads Mikkelsen (ADAMS ÄPFEL, CASINO ROYALE), und ich wage zu behaupten, dass es allein sein Name sein wird, der für manchen zusätzlichen Zuschauer sorgen wird.

An seiner Seite agieren mit Jessica Schwarz und Heike Makatsch zwei der derzeit gefragtesten deutschen Aktricen, die in diesjährigen Verfilmungen von Schauspieler-Biographien bereits unter Beweis gestellt haben, dass sie zu differenzierteren Leistungen imstande sind, als ihnen in DIE TÜR abverlangt werden. Das Ensemble wird vervollständigt durch den schon vom Körperbau her mit imposanter Leinwandpräsenz ausgestatteten Thomas Thieme, sowie der jungen Valerie Eisenbart, die als unschuldig blickende und fragende Tochter Leonie der heimliche Star des Films ist.

Am Ensemble liegt es nicht, dass DIE TÜR zu einem zwar achtbaren, aber nicht bleibend beeindruckenden Mystery-Drama geworden ist. Immerhin: Über weite Strecken vermag der Film sein Publikum zu fesseln, er hält die Spannungskurve bis zum Beginn der Schlussoffensive, und die inneren Konflikte, die sich in der Hauptperson – d. h. Mikkelsens Gesicht – abspielen, unterstreichen das anfängliche Bemühen von Drehbuch und Regie, sich intensiv mit den Personen und weniger um Effekteschnickschnack zu kümmern. Wo andere Produktionen mit schnellen Schnitten, Schattenspielen und Schockmomenten hantieren, drückt sich die Spannung in DIE TÜR in Davids verzweifelten Bemühen aus, mit seiner Situation als Zeitgereister und der Bürde des Tötens bestehen zu können. Und natürlich der verstörten Reaktion seiner kleinen Familie auf die neue Situation.

Regisseur Anno Saul platziert die Handlung in die Vorstadt einer deutschen Großstadt, die Kamera fängt kaum mehr als trügerische Idylle ein, die vorzügliche Musik von Fabian Römer untermalt, ohne zu dramatisieren: Ganz nach der Art Stephen King’scher Romane ist es die Normalität, die von unliebsamen Schwingungen durchbrochen wird und nach und nach aus den Fugen gerät. Konzentriert wird sich auf Davids Befinden: Beim alleinigen Hadern mit seinem Schicksal und seinem Streben, sich mit Maja und Leonie zur Familie zu konsolidieren, hat DIE TÜR seine bewegendsten Momente. Eine auch zeitliche Ausweitung jener Szenen unter Einbeziehung des Augenmerks auf die anderen Personen hätte dem Film noch besser getan.

Statt dessen überschlagen sich im Schlussviertel die Ereignisse: Das immanente Grauen, eben noch den langsamen Fortgang der Handlung beherrschend, verpufft in einem zwar temporeichen, aber im Vergleich zum Hauptteil überhastet auf Effekte getrimmten Crescendo. Dabei wird nicht nur die feine Vorarbeit auf dem Altar der Aktion geopfert, sondern jene in für verwöhnte Cineastenaugen bescheidener Weise in Szene gesetzt.

Dadurch für die Schwächen des Films sensibilisiert, fällt es wie Schuppen von den Augen, dass weder die Herkunft der „Damalstür“ (so der Titel der Romanvorlage) erläutert wird, noch die Ursache, wie und vor allem warum diese oder jene Person den Zeitsprung zurück gemacht hat. Letztendlich positioniert sich DIE TÜR damit auf einem soliden Platz im filmischen „Ferner liefen“.

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Buch und Regie: Michael Haneke. Kamera: Christian Berger. Ausführender Produzent: Michael Katz. Ton: Guillaume Sciama, Jean-Pierre LaForce, Schnitt: Monica Willi u.a.
Mit: Christian Friedel (Lehrer), Ulrich Tukur (Baron/Gutsherr), Rainer Bock (Arzt), Burghart Klaußner (Pfarrer), Josef Bierbichler (Gutsverwalter), Susanne Lothar (Hebamme), Leonie Benesch (Eva), Detlev Buck (Evas Vater), Birgit Minichmayr (Frieda), Ernst Jacobi (Stimme des alten Lehrers), Maria-Victoria Dragus, Leonard Proxauf (Klara + Martin, die Kinder des Pfarrers) u. a.
144 Minuten      (9 von 10 Punkten)

Synopsis: Spätsommer 1913, irgendwo in Brandenburg. Als der Dorfarzt samt Pferd über einen heimtückisch gespannten Draht stürzt, ist das der Beginn einer Reihe von unerklärlichen Unfällen und Anschlägen, die die protestantische Beschaulichkeit erschüttert. Der Fall bleibt unaufgeklärt, das Leben geht zunächst weiter, die dörfliche Sozialstruktur von Macht, Gehorsam und Abhängigkeit wird exemplarisch am Innenleben einiger Familien demonstriert. Mit dem Fortgang der Verbrechensserie eskaliert die unheilsame äußere Bedrohung des archaischen Systems, Kurzschlussreaktionen reißen den Mantel des Beharrens auf, bis sich letztlich mit dem Kriegsausbruch eine Zäsur andeutet.

Kritik: Michael Haneke seziert die Ursprünge des Nationalsozialismus kurz vor dem Ersten Weltkrieg. Brillant in edlem Schwarz-Weiß fotografiert, dialoglastig und nahezu völlig musikfrei schlingt sich DAS WEISSE BAND 144 Minuten langsam und unerbittlich um die Kehle des zunehmend schockierten Betrachters, der die Auflösung der rätselhaften Verbrechen in dem namenlos bleibenden Dorf lange vor den Protagonisten kennt und sich dennoch vor der grausamen Wahrheit verschließen möchte.

Es ist eine patriarchalische Welt, in der die Frauen zu devoten Erfüllungsgehilfinnen der Strenge und Willkür degradiert werden. Liebe wird höchstens Neugeborenen durch die Mutter und/oder Kinderfrauen zuteil, schon bald erlischt jedes Lachen, jede spielerische Freude in den Gesichtern der Zöglinge. In der hierarchisch ausgeprägten Welt der Erwachsenen geht seinesgleichen schon nicht zimperlich miteinander um, und die Kinder am Ende der Befehlskette lernen ihre Lektionen am eigenen Körper, um dermaßen ausgerichtet und gestählt ins eigene spätere Leben zu marschieren.

Auf explizite Gewaltdarstellung verzichtet Haneke weitgehend. Der Sturz des Pferdes zu Beginn des Films und ein kurzer Flash auf das misshandelte Gesicht des behinderten Karli sind die Ausnahmen. Zucht und Strafe spielen sich hinter verschlossenen Türen ab, werden verbal verabreicht und sind dennoch umso wirksamer in der Vorstellung des Zuschauers. Mitleid für die Opfer erwächst, zugleich Zorn auf die Peiniger, dieser Mix wird genuiner in der unerbittlichen Stille (durch den Verzicht auf musikalische Stimmungsverstärker) und die kalte Schwarzweißoptik von DAS WEISSE BAND.

Haneke dreht die Schaube noch weiter an, in dem er den Jungen und Mädchen, die normalerweise mit dem Nimbus der Unschuld umgeben sind, selbst eine Bedrohlichkeit angedeihen lässt, die der der Kinder aus dem Klassiker DAS DORF DER VERDAMMTEN (1959/60) nicht unähnlich ist. Hier wie dort rotten sie sich zu Gruppen zusammen, lungern an Tatschauplätzen herum und halten auch der Befragung durch Kriminalbeamte aus der Stadt stand. Beim Casten der jungen Akteure haben die Verantwortlichen wirklich ganze Arbeit geleistet und kleine Monster in Menschengestalt geschaffen.

Herausgekommen ist eine deutsche Kindergeschichte der ganz besonderen Art. Und die Erkenntnis, dass manchmal die besten Horrorfilme gar keine Horrorfilme sind.

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Regie: Park Chan-wook. Drehbuch: Park Chan-wook u. Chung Seo-kyung, inspiriert von Émile Zolas „Therese Raquin“. Kamera: Chung Chung-hoon, Musik: Jo Yeong-uk, Produzenten: Park Chan-wook u. Ahn So-hyun
Mit: Song Kang-ho (Sang-hyun), Kim Ok-vin (Tae-ju), Kim Hae-sook (Madame Ra), Shin-Ha-kyun (Kang-woo), Park In-hwan (Noh), Song Young-chang (Seung-dae) u. a.
133 Minuten      (5 von 10 Punkten)

Synopsis: Südkorea, Gegenwart. Der junge Priester Sang-hyun, nach einer Blutübertragung mit einem tödlichen Virus infiziert, überlebt auf Kosten der Mutation zum Vampir. Als Seelsorger im Hospital heilt er den krebskranken Kang-woo und beginnt eine obsessive Beziehung mit dessen Frau Tae-ju. Schließlich ertränken sie ihn. Sang-hyun macht Tae-ju zum Vampir. Er, der seinen Blutdurst bislang ohne zu töten stillen konnte, gerät bald in Konflikt mit seiner Partnerin, die auch vor Mord nicht zurückschreckt.

Kritik: Bereits zwei Tage sind vergangen, seit ich dieses bizarre Machwerk als Preview auf dem Filmfestival Münster 2009 gesehen habe, aber ein klares Bild zur Erschaffung einer wie-auch-immer gearteten Kritik will sich in meinem Kopf nicht formen. Mag die Inhaltsangabe auf eine nachvollziehbare Handlung unter Einbeziehung des Vampir-Mythos schließen lassen, so liegen die Herausforderung und der Reiz des Films aber im Detail und in der besonderen Darreichungsform, mit denen sich der unbedarfte Zuschauer konfrontiert sieht. Der Mainstream-Kinogänger hat in DURST kaum etwas verloren.

Vom klassischen „gothical“ Vampirbild ist nur mehr die Furcht vor dem Sonnen-/Tageslicht übrig geblieben. Sang-hyun selbst hat ein Kruzifix in seiner Kemenate hängen, die Furcht vor Wasser ist ihm fremd. Sein Gewissen macht ihm zum „Vegetarier“, der seinen Nahrungsbedarf deckt, ohne dass Menschen nachhaltig zu Schaden kommen. Als tragischer Held wandelt er durch die Geschichte, bleibt bewundernswert seinen edlen Motiven treu, operiert aber über die gesamte Spielzeit hinweg mit kaum mehr als einen Gesichtsausdruck. Den optischen wie ausdrucksstarken Gegenpart liefert Kim Ok-vin als Tae-ju, die die Bandbreite von sensitiv, berechnend und aggressiv ausspielen kann.

Über weite Strecken und besonders zu Beginn des Films wartet DURST mit matten, gräulichen Farben auf, in der nur das Rot von Wunden und Blut als dominanter Ton förmlich ins Auge springt. Musikalisch wird häufig mit dramatischer Untermalung gearbeitet, Bach und traditionelle koreanische Musik vereint. Sogar das Saugen oder Spritzen von Blut wird lautstark gegenüber Nachbargeräuschen hervorgehoben. Die Nacht als überwiegende Handlungszeit tut ein Übriges, um eine unangenehme Atmosphäre zu schaffen. Einerseits ist sie natürlicherweise die Arbeitsschicht der Blutsauger, andererseits transportiert sie die innere Bedrücktheit in Sang-hyun: Seine Existenz beruht auf dem Fluch, ein Vampir zu sein, und sein Wirken will zwei Extreme verbinden, die unvereinbar sind: Das eigene Überleben sichern und kein Sterben von Menschen dadurch zu verursachen.

Bildgewalt tritt während des Filmes immer wieder sporadisch und besonders in der Endszenerie unter gleißender Sonne hervor. Aber auch im Detaillabyrinth der Wohnräume und Krankenzimmer beweist Park Chan-wook Gespür für Optik und Stil. Seine Ambition, dem Vampir-Genre neue Impulse zu verleihen, verläuft sich allerdings in einem Übermaß an Ideen, die zu Lasten einer spannenden Erzählstruktur gehen. Somit ist DURST eigentlich nur für Fans des Kultregisseurs zu empfehlen.

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Regie: Neill Blomkamp. Drehbuch: Neill Blomkamp u. Terri Tatchell. Kamera. Trent Opaloch. Musik: Clinton Shorter. Produzent: Peter Jackson
Mit: Sharlto Copley (Wikus Van De Merwe), Jason Cope (Bradham), Louis Minnaar (Piet Smit), William Allen Young (Dirk Michaels), Vanessa Haywood (Tania Van De Merwe), David James (Koobus Venter) u. a.
112 Minuten      (5 von 10 Punkten)

Synopsis: Johannesburg, Gegenwart. Seit dem Jahre 1981 schwebt ein defektes Raumschiff über der Stadt. Über 1,5 Millionen Aliens vegetieren im abgeriegelten District 9 innerhalb der Stadtgrenzen. Um sich der leidigen, weil integrier-resistenten Gäste zu entledigen, wird die Privatfirma „Multi-National United“ (MNU) mit der Umsiedlung der „Shrimps“ beauftragt. Insgeheim forscht MNU auch und bislang erfolglos an der Nutzbarmachung extraterrestrischer Waffentechnik. Das ändert sich, als der naive Leiter der Deportation, Wikus Van de Merwe, sich mit einem Alien-Virus infiziert und zum Schlüssel für die Anwendung der Waffen durch Menschenhand wird.

Kritik: Wirklich gelungen an DISTRICT 9 ist zweifellos das Filmplakat: Das unheimliche, riesige Raumschiff, das schwerelos über der elenden Hüttensiedlung schwebt. Der Vordergrund zeigt ein Warnschild mit einem Außerirdischen: No Humans Allowed. Wenn das keine Einladung ist?! Im ersten Drittel besticht der Film zudem mit mutigen Ideen im arg abgenutzten Sciencefiction-Genre. Schon der Ansatz ist beeindruckend, Aliens nicht als Bedrohung darzustellen, sondern als Gestrandete, mit denen wohl oder übel zusammenzuleben ist. Auf der sozialen Entwicklungsleiter sind sie irgendwo zwischen Tier und Mensch einzuordnen. Um ja keine zu frühe Fraternisierung mit der Spezies zu forcieren, werden ihr Äußeres und ihre Fressgewohnheiten als ausnehmend abstoßend gestaltet. Mitleid erregende Massenszenen der Deportation? Fehlanzeige. Die Aliens bleiben lange Zeit anonyme Verfügungsmasse, die man je nach Wetterlage und politischen Interessen vegetieren lässt.

Nach 28 Jahren fruchtlosen Jahren des Nebeneinanderlebens stellt sich Johannesburg – stellvertretend für die Menschheit – nun die Frage: Was tun mir den Aasfressern? Darf man sie als Lebewesen zweiter oder dritter Klasse abstempeln und nach Belieben behandeln? Pikant, dass gerade Südafrika als Handlungsort gewählt wird. Bei den gegenwärtigen Folgen des Neoliberalismus höchstaktuell: Ist es zulässig, einer Privatfirma die Drecksarbeit zu überlassen? Deren offenes Geheimnis es ist, dass sie neben der Auftragsbefolgung auch kommerziellen Nutzen durch die Forschung an Aliens betreibt? Für einen Sciencefiction-Film beinhaltet DISTRICT 9 jede Menge gesellschaftspolitischen Sprengstoff. Jenes Selbstverständnis wird noch unterstrichen durch die pseudodokumentarische Art der Darstellung, in dem die Situation vor der Umsiedlung durch Interviews mit Experten und Beteiligten beschrieben und beurteilt und die Maßnahme selbst in Form des „Embedded Journalism“ an der Seite von Wikus Van De Merwe verfolgt wird.

An der Figur des Wikus werden sich die Geister scheiden, und leider steht und fällt mir ihr der ganze Film. Ich konnte mich nur kurz der Komik erfreuen, die die Einsetzung des Strohmannes als Leiter der Operation mit sich bringt. Bald ist sein Dilettantismus eine Nervenbelastung, die in doppelter Weise im Laufe der Zeit zunimmt. Einerseits verliert DISTRICT 9 die aufgeworfenen grundlegenden Fragen völlig aus den Augen, ohne auch nur ansatzweise eine Antwort geliefert zu haben. Andererseits mutiert die bestenfalls tragische Hauptperson aus der Anfangshalbenstunde mit zunehmender Dauer zum Superhelden, der als alleiniger Retter eine riesige Materialschlacht anzettelt und leider natürlich auch erfolgreich beendet. Parallel zur unglaubwürdigen Wandlung des Wikus verlieren die dann eingeblendeten Statements der Experten an Wert, weil ihr nach-wie-voriges Buhlen um Ernstnahme diametral dem entgegensteht, was in Wildwestmanier auf der Leinwand abging.

Niemand verlangt, dass ein auf kommerziellen Erfolg ausgerichteter Film (und vor allem einer aus dem Sci-Fi-Genre) auf alles eine schlüssige Antwort gibt, was er an brisanten Fragen aufwirft. Aber bei DISTRICT 9 ist die Diskrepanz zwischen brillanter Ausgangslage und jähem Absturz in altbekanntes Fahrwasser so dermaßen eklatant, dass dem Betrachter angesichts der vertanen Möglichkeiten die Zornesröte ins Gesicht schießt

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„Die Natur ist Satans Kirche!“ (Sie)

Synopsis: Er (Willem Dafoe) und Sie (die hinreißende Charlotte Gainsbourg, völlig zurecht für ihre Rolle als beste Darstellerin mit der Silbernen Palme in Cannes prämiert) ficken leidenschaftlich in der Dusche, während ihr kleiner Sohn sich aus seinem Laufstall schleicht, den kopulierenden Eltern kurz beim Geschlechtsakt zusieht, das Fenster öffnet … und in seinen viel zu frühen Tod stürzt.

Das Therapie-Experiment wird, um es einmal vorsichtig auszudrücken, kolossal schief gehen. Hin und her gerissen zwischen gewalttätigem Sex, gegenseitiger emotionaler Zerfleischung und wachsendem zwischenmenschlichen Hass endet die Ehe von Ihm und Ihr in einem Blutrausch, an dessen Ende ein Scheiterhaufen wartet …

(Versuch einer) Kritik: Nein, das hier ist nun wahrlich nicht Lars von Triers Meisterwerk geworden. Aber all die fast Hass-erfüllte Negativpropaganda im Vorfeld hat ANTICHRIST nun auch nicht verdient. So verlieh die ökumenische Jury des diesjährigen Cannes-Filmfestivals, die normalerweise Preise für besonders humanistische Filme vergibt, Lars von Triers auf hohem Niveau gescheiterten, aber zweifelsohne mutigen Autotherapie-Versuch, dezidiert einen Anti-Preis. Wegen angeblicher Misognynie – ein Vorwurf, der irgendwie ständig fällt, wenn es um die Filme des offensichtlich tatsächlich wahnsinnigen Dänen geht.

Um es kurz zu machen: Wer ANTICHRIST und seinem Regisseur Frauenfeindlichkeit vorwirft, macht es sich zu einfach und übersetzt die gelinde gesagt schockierenden Bilder, die in einer Klitoris-Beschneidung in Großaufnahme gipfeln, einfach eins zu eins: Mann ist rational. Das ist gut. Frau ist komplett wahnsinnig und mit dem Satan im Bunde. Nicht so toll. Ab auf den Scheiterhaufen mit ihr! – Bitte, wer sich das Denken selbst verbieten möchte, übernehme doch einfach diese nahe liegende Interpretation und verübe Farbbeutel-Attacken auf Kinoleinwände und trinke ökologisch angebauten Champagner auf die menschliche Vernunft, die sich ja seit Jahrtausenden so herrlich bewährt.

Die anderen, die sich am besten in den Niederungen des orgiastisch-gewaltverherrlichenden Horrorfilms auskennen sollten (ANTICHRIST ist Andrei Tarkovski gewidmet, Lucio Fulci hätte besser gepasst), sollten die cinéastische Mutprobe namens ANTICHRIST zumindest versuchen auszuhalten, auch wenn es geradezu grotesk schwer wird: Solch übertriebene Gewaltdarstellungen hat es meines Wissens im mainstream-Kino noch nie gegeben.

Dann käme man nämlich vielleicht auf ganz andere Gedanken, so zum Beispiel den, dass das Furchtbarste an ANTICHRIST das Therapeuten-Gewäsch von Ihm (Willem Dafoe) darstellt, ständig darauf bedacht, die menschliche (!nicht: die weibliche!) Natur in rationale Schranken zu weisen: Hat sich der schwer depressive Regisseur vielleicht einfach nur auf möglichst drastische Art und Weise an seinem geschwätzigen Psychiater rächen wollen?

Descartes / Therapeut / Er: „Ich denke, also bin ich!“
Von Trier / Sie : „Ich denke, ich bin wahnsinnig. Und das ist auch gut so!“

Wenn man sich den damals noch sardonisch grinsenden und nicht Trauerflor tragenden Lars von Trier im Abspann einer jeden Folge seiner Krankenhaus-Horrorgroteske GEISTER vor Augen führt, könnte das sogar hin hauen: Eine seltsame Art von Humor war dem Dänen ja schon immer zu eigen.

Und während Philosophen und Theologen sich hoffentlich die Köpfe heiß reden werden, über den tieferen Sinn dieses im positiven Sinne abgrundtiefen Streifens, könnte so ganz nebenbei (nämlich während sich das mainstream-Publikum vor Ekel gar nicht mehr einkriegen kann) ANTICHRIST zum Kultfilm für Horrorfilm-afficionados und leidenschaftliche Black Metal-Hörer (allein schon wegen der impliziten Gleichsetzung von Natur und Satan, im Film dargestellt durch morbid-ästhetische Zersetzungsprozesse von Flora und Fauna) werden:

Lars von Trier hätte vielleicht eh besser das Fantasy Filmfest als die Croisette zur Premiere angesteuert.

Und Wolves In the Throne Room hätten als Musikuntermalung für Pro- und Epilog auch besser gepasst als ausgerechnet Georg Friedrich Händel, der alte Katholenkirchenkomponist.

Denn, auch das ist so verstörend an ANTICHRIST: Gott ist hier nicht nur nicht am Werk, sondern glänzt durch völlige Abwesenheit. Niemals hätte ein gläubiger Katholik, der Lars von Trier ja angeblich sein soll, solch eine Ausgeburt an menschenverachtendem (!nicht: frauenverachtendem!) Nihilismus erschaffen können.

Und zumindest das scheint die ökumenische Jury von Cannes ja auch verstanden zu haben.

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