2006 erschien das erste Album der band, „Diadem of 12 stars“, womit der Kult um WOLVES IN THE THRONE ROOM seinen Anfang nahm, was vielleicht auch an den bis heute kyptischen Pressefotos liegt, bei denen man den Wald vor lauter Bäumen nicht sieht (Hey! Ist das da ein Ent?), und die band schon mal so gar nicht (Hey! Drei Ents!). Nicht nur, dass Black Metal außerhalb von Skandinavien kommerziell gesehen mehr gehört, als praktiziert wurde und WITTR damit schon mal zwangsläufig die Exotenrolle zu fiel - die trotz des Genre-treuen unmenschlichen Gekeifes und rumpeligen Schlagzeugs geradezu übersinnliche Atmosphäre ihrer nicht enden wollenden songs (besser: Symphonien - bis heute unterschreiten Lieder der band selten die 10 Minuten-Grenze), begeisterte schon damals Kritiker und Publikum gleichermaßen, spaltete aber auch ganz gehörig.

Während der mainstream (und in Sachen Black Metal sind das wirklich alle anderen, insbesondere „diese schwulen indie rock pussies“, zu denen auch ich mich zählen darf), zunehmend Wind von der Sache bekam, begann das Gedisse innerhalb der hardcore community nahezu stante pede: Zwar war man sich allgemein einig darüber, dass die hauptsächlichen Einflüsse von WITTR tatsächlich im ursprünglichen norwegischen Black Metal liegen (insbesondere BURZUM, ULVER und frühe EMPEROR), doch der spirituelle, wenn nicht gar esoterische Weg, den WITTR abseits der von eben diesen bands angelegten misanthropisch-satanis(tis)chen Pfade nahmen, nämlich hin zu dieser Bäume-umarmenden, radikal-ökologischen message, die WITTR inzwischen eher als „Green Metal“ denn als Black Metal band dastehen lassen (wenn nicht gar als ambient-, trance-, oder schamanische band), stieß vielen sauer auf.

WITTR entziehen sich wirklich jedem Schubladendenken, was ihnen in beiderlei Hinsicht zum Verhängnis wurde: Während unreflektierte Die Hard Black Metal-Jünger, Kirchenanzündungsbefürworter („Odin! Rette uns vor Jesus!“) und VARG VIKERNES-Verehrer hasserfüllt auf WITTR einschlugen, weil sie sie zurecht im politisch linken Spektrum ausfindig machen mussten, bekamen WITTR auf ihren Europa-Tourneen die volle Breitseite der zumeist völlig inkompetenten mainstream- / indie-Musikpresse zu spüren, denen nicht einmal die geographische, geschweige denn ideologische, Nähe zum im Olympia, Washington, beheimateten radikal-feministischen „Killrockstars!“-label auffiel: Allein schon die lobende Erwähnung von BURZUM seitens WITTR als ihren musikalischen Haupteinfluss ließ den Gutmenschengeifer schon tropfen. Und der Rosseausche Zurück-zur-Natur-Imperativ, den die Gebrüder WEAVER so leidenschaftlich in die Welt tragen (beide sind Mitglieder bei „Earth First!“, einer radikalen Öko-Untergrundbewegung, die sich inzwischen sogar mit Waffengewalt gegen naturelle Ausbeutung wehrt), war in Europa, speziell in Deutschland, auf einmal nicht mehr wichtig.

Stattdessen wurde aus den Ingredienzien Black Metal (von jeher verdächtig), RUDOLF STEINER (Antisemit! Nich'? - auf dessen anthroposophische Lehren sich WITTR berufen) und US-amerikanischem Hegemonialanspruch in Sachen Weltpolitik eine so richtig eklig schmeckende Brühe angerührt: WOLVES IN THE THRONE ROOM, noch dazu hierzulande dummerweise mit supporting acts ausgestattet, die dem Germanentum ein wenig zu demaskiert fröhnen (wobei man den Germanen schwerlich vorwerfen kann, deutsche Ureinwohner gewesen zu sein, denen irgendein daher gelaufener Österreicher irgendwann die SA-Binde umgebunden hat), sahen sich plötzlich in die NSBM (National Socialistic Black Metal)-Ecke gedrängt und mussten sich live on stage verteidigen. So geschehen beispielsweise im AJZ Bielefeld - als würde die location allein nicht Bände genug sprechen.

Der Prophet gilt nichts im eigenen Genre - so oder ähnlich könnte man das WEAVERsche Dilemma wohl ausdrücken. Und sie machen es dem Black Metal weiterhin nicht leicht, Satan sei Dank: Auf corpse paint wird konsequent verzichtet (Pandabären sind an der US-amerikanischen Nordwestküste nun einmal nicht beheimatet), zutätowierte Waldfeen mit engelsgleichem timbre, das fast an DEAD CAN DANCE erinnert, werden als Gastsängerinnen verewigt („Cleansing“ - was für eine Elegie!), man tritt mit Bäume umarmenden hippie folkies wie P.W. ELVERUM alias MOUNT EERIE auf (dessen letztes, im übrigen !fantastisches! Album „Wind’s poem“ komischerweise sehr schwarzmetallisch ausgefallen ist), huldigt explizit dem deutschen Romantik-Maler CASPAR DAVID FRIEDRICH („Wanderer above the sea of fog“) und erntet weiter munter (schwarze?) Karotten & Co. auf dem band-eigenen Bauernhof. (Und hört weiterhin hauptsächlich BURZUM, alias VARG VIKERNES, und kann doch tatsächlich zwischen der Musik und dem mörderischen Rassisten dahinter einen Trennstrich ziehen! Wow! Wer kann das schon? Hierzulande wohl die wenigsten, denn böse Menschen haben gefälligst auf keinen Fall Lieder zu haben. Und schon gar nicht solche Meisterwerke wie „Dunkelheit“.)

Zwischendurch hat man weitere Tonträger veröffentlicht, von denen einer besser ist als der andere, „Der Spiegel“ und „Die Zeit“ berichten plötzlich (erstaunlich kompetent und wohlwollend) über Black Metal und das Feuilleton der „Süddeutschen Zeitung“ darf auch einmal über diese seltsamen Kuttenträger von SUNN O))) räsonieren - die Verräter an der misanthropischen Black Metal-Sache von WITTR stehen mit einem Mal als große Versöhner da, sonnen sich aber nicht in ihrem Ruhm, sondern nehmen lieber schließlich ein Album namens „Black cascade“ auf, dass so markerschütternd finster, nihilistisch und zivilisationsverachtend daher kommt wie Black Metal halt sein sollte, gleichzeitig aber dermaßen zu Tränen rührend wunderschön ist und an die besten Momente von NEUROSIS und GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR erinnert, dass sich hier letztendlich die Genres munter untereinander befruchten dürfen und kein Black Metal-Purist, kein unwissender Gutmenschen-Feuilletonist, kein Schwulenhasser und vor allem kein gläubiger Katholik mehr irgendeinen triftigen Grund dafür finden kann, warum WOLVES IN THE THRONE ROOM nicht als beste (weil dem Genre abtrünnig gewordene) Black Metal band aller Zeiten durchgehen könnte, außer man postet halt den üblichen youtube-Kommentar-Dünnschiss, der im Fall von WITTR zumeist homosexuellenfeindlich orientiert ist: Die possierliche Beschimpfung „faggot“ kommt in Bezug auf WITTR ebendort häufiger vor als „bitch“ in einem gangster rap song. Noch ein Beleg dafür, dass diese band auf dem besten Weg ist, ihr Ziel zu erreichen, was sogar in der Redaktion der „Rock Hard“ inzwischen angekommen ist:

„WOLVES IN THE THRONE ROOM erinnern uns daran, wofür wir - die Metalszene, verdammt noch mal! - früher mal standen und worauf wir uns endlich zurückbesinnen sollten: Standhaftigkeit, Ungezügeltheit, das Erleben des inneren Biests, allein gegen den gleichgeschalteten Rest! Black Cascade ist die pure Essenz des Schwarzmetalls, klug, eigensinnig, abgrundtief, manisch, schmutzig, bissiger und klarer, giftiger als der zuweilen mystische und deshalb auch geheimnisvoller anmutende Vorgänger Two Hunters. Es ist ein Album der Wut, der Krallen, der geschleuderten Blitze. Es ist Abgrenzung! Es drückt all das aus, wofür Heavy Metal endlich wieder stehen MUSS! Auch beim Rock Hard!“ (Wolf-Rüdiger Mühlmann, Rezension zu „Black cascade“, Heft Nr. 262, Ausgabe März 2009)

WOLVES IN THE THRONE ROOM spielen zusammen mit den Fast-noch-teenagern von DER WEG EINER FREIHEIT (trotz Absenz eines Schlagzeugers und eines deswegen eingesetzten drum computers möglicherweise die beste deutschsprachige Black Metal band) ein Konzert am kommenden Sonntag, 30. Mai 2010, im Gleis 22 zu Münster. Einlass ist um 20.30 Uhr, Beginn um 21.00 Uhr. Konzertkarten kosten im Vorverkauf 10,-, an der Abendkasse 13,- Euro.

WOLVES IN THE THRONE ROOM - So macht Landwirtschaft Spaß!

::: Links :::

WOLVES IN THE THRONE ROOM

- http://www.wittr.com
- http://www.myspace.com/wolvesinthethroneroom
- http://en.wikipedia.org/wiki/Wolves_in_the_Throne_Room
- http://de.wikipedia.org/wiki/Wolves_in_the_Throne_Room
- http://www.lastfm.de/music/Wolves+in+the+Throne+Room

Calliope Farm

- http://calliope-farm.com
- http://www.olympiafarmersmarket.com/Vendors/calliopefarm/index.html

DER WEG EINER FREIHEIT

- http://www.myspace.com/derwegeinerfreiheit
- http://www.lastfm.de/music/Der+Weg+Einer+Freiheit

Denn MURDER BY DEATH passen auch noch musikalisch in die von Herrn TARANTINO dankenswerterweise nie wirklich aufgeräumte Schublade: Dängelnde, quengelnde surf-Gitarren, ironische, von Popkultur-Querverweisen nur so strotzende Texte, stolz präsentierte country’n’folk roots, nebst hardcore-punk-Migrationshintergrund: MURDER BY DEATH gefallen sich zurecht als Quintessenz aus NICK CAVEschen „Murder ballads“, dem „American Recordings“-JOHNNY CASH und infernalischem folk punk, gewürzt mit einer Prise American Gothic à la 16 HORSEPOWER, oder deren Nachfolgern WOVEN HAND und SLIM CESSNA’S AUTO CLUB.

Live toppen sie dieses eh schon mehr als standhafte Konstrukt mit einer Energie-geladenen Bühnenshow, die vor allem von Indierockhausens most sexiest cello player, SARAH BALLIET, bestimmt wird, die ihr Instrument bei Konzerten derartig zwischen ihren Schenkeln zer-bratscht, dass man(n) sich nicht entscheiden kann, ob man das arme Cello nun bedauern soll, oder an seiner Statt sein möchte.

Doch genug der albernen Personifizierungen von Streichinstrumenten des billigen Sexismus wegen, eine nicht minder genial benannte Vorgruppe muss auch noch erwähnt werden: DIESELKNECHT (= THE MOUNTAIN BOYS) sind aus Dortmund, und auch wenn ihr Bekanntheitsgrad noch nicht über den Ruhrpottschen Tellerrand geschwappt ist, DIESELKNECHT haben das Zeug zur Kult-band. Weil: Selten eine so unverfrorene Mischung aus Mitgröhl-punk und von einem völlig losgelösten Banjo angetriebenen hillbilly folk gehört: So als hätten DIE KASSIERER bei einem blutigen, aber trotzdem nie wirklich ernst gemeinten Banküberfall MUMFORD & SONS als Geiseln genommen und als Fluchtweg eine Zeitreise in die 20er Jahre unternommen: Heraus kommt dabei die possierliche Musikrichtung „Volk-a-billy“ (Eigenwerbung / Selbstanzeige).

Man höre sich doch bitte unbedingt den song „Als wir jüngst (verschütt gegangen waren)“ auf DIESELKNECHTs myspace-Seite an und staune: Dass diese seltsame, eben nicht Wiener, sondern derbste Ruhrpott-Melange aus deutscher Volksmusik und Appalachian hillbilly folk (punk) so reibungslos funktioniert, macht Spaß, Lust auf mehr von dieser originellen band und zeigt mit leichter Hand ganz nebenbei mal wieder auf, dass man die Rettung der deutschen Sprache doch bitteschön nicht weltfremden Akademikern überlassen sollte. Passend dazu covern DIESELKNECHT „Die Gedanken sind frei“ als Banjo-instrumental. Ohne Worte, aber völlig hinreißend. (Auch sehr schön: DIESELKNECHTs Version des nicht tot zu kriegenden, weil ewigen Alkoholiker-evergreens "Bolle reiste jüngst zu Pfingsten": http://www.youtube.com/watch?v=qvCGuuRPzSY)

Das letztjährige Konzert von MURDER BY DEATH im Gleis 22 war ausverkauft - mit dieser Vorband als Anheizer sollte es kein Problem werden, den damaligen Status noch zu toppen: MURDER BY DEATH plus DIESELKNECHT - definitiv ein Anwärter auf das Konzert des Jahres. (Nicht des Jahrtausends - das findet drei Tage später, ebenfalls im Gleis statt. Mehr dazu möglicherweise bald hier.)
 
::: Links :::
 
- http://www.murderbydeath.com
- http://www.myspace.com/murderbydeath
- http://www.lastfm.de/music/Murder+by+Death
- http://en.wikipedia.org/wiki/Murder_by_Death_%28band%29
 
- http://www.dieselknecht.net
- http://www.myspace.com/dieselknecht

Athens, Georgia ging es Anfang der 80er Jahre wohl in etwa so wie Seattle, Washington Anfang der 90er: Im verschlafenen Grand Ol’ South (Athens) waren gerade die B-52’S mit verwehten Bienenkorbfrisuren als das nächste große Ding nach New York City abgehauen - der hype schien hier genauso vorüber zu sein, wie eine Dekade später im flanellhemdsärmligen Nordwesten (Seattle), als ALICE IN CHAINS, MUDHONEY und SOUNDGARDEN ihre major label-Debüts draußen hatten.
 

Doch hier wie dort weit gefehlt, denn die US-amerikanische Provinz hatte ihr Pulver noch lange nicht verschossen und weitaus mehr in petto als die metropolitan hipsters erwartet hatten. So betrat in Athens eine obskure college rock band namens R.E.M. die örtlichen Bühnen, die, angetrieben von einem enigmatischen Sänger namens MICHAEL STIPE, dessen Texte niemand außer ihm selbst verstehen konnte, bald superstardom erreichen sollte. Different place, different time, same procedure: Seattle. NIRVANA. KURT COBAIN. Grunge.
 

DEAD CONFEDERATE aus R.E.M.’s Heimatstadt Athens können nunmehr als Amalgam der frühen R.E.M. und NIRVANA zur „Bleach“-Phase durchgehen, obwohl neuzeitliche Kategorisierungen hier eher irreführend sind. Denn hätte es weder „indie“, noch „college rock“, noch „grunge“ je gegeben ... die NEIL YOUNG & THE CRAZY HORSE-Vergleiche würden in Bezug auf das bärtige Quintett aus dem beschaulichen georgischen college-Städtchen kein Ende nehmen.
 

Sicher, man könnte es sich auch noch easier machen und die frühen TOCOTRONIC zitieren: „Es ist einfach Rockmusik“. Passt schon, aber: DEAD CONFEDERATE’s sound lebt trotz seiner herbstlichen Grundstimmung (hier kommt grunge ins Spiel), vor allem von den so unwillkürlich wie organisch auftretenden Assoziationen beim Hörer von songs wie zum Beispiel „The rat“: Diese von keiner Klimaanlage der Welt in den Griff zu bekommende, irgendwie sumpfig vor sich hin wabernde hitze des Grand Ol’ South. Jeder noch so leichte Schritt bekommt ein Tonnengewicht. Alles ist verhangen. Entweder von Spanish Moss, von Kudzu (einer unfreiwillig aus Japan importierten Schlingpflanze, im übrigen prominent vertreten auf dem cover der ersten R.E.M.-LP „Murmur“), oder es sind die Spinnweben vor dem gerade pleite gegangenen drug store, an dessen finaler Niederlage natürlich die Yankees schuld sind, womit nicht der New Yorker Baseball-Verein gemeint sein kann. Alles zusammen genommen bewirkt eine bedrückende Betäubung, die allerdings niemals niederschmetternd daher kommt, gegen die man aber auch nicht ankämpfen kann. Oder will. Und schon gar nicht muss.
 

Denn DEAD CONFEDERATE, dieser unheilvolle Bastard geboren aus den tonnenschwer-psychedelischen sound-Kaskaden von KYUSS und MONSTER MAGNET, der wabernden Düsternis von bands wie THE BLACK HEART PROCESSION, MURDER BY DEATH, oder auch OKKERVIL RIVER und der markerschütternden Gitarrenverzerrung des grunge (NIRVANA), behält erstaunlicherweise immer seinen pop appeal bei, ohne auch nur die Spur gefällig zu wirken, oder sonstwie Konzessionen an das mainstream-verseuchte radio airplay zu machen, was sie zu einer zumindest hörenswerten, wenn nicht gar großartigen band hat werden lassen, to say the least.
 

Im Radio wird die Vorgruppe von DEAD CONFEDERATE wahrscheinlich noch weniger Chancen haben als der headlining act, denn die Australier von MY DISCO, die vor ziemlich genau einem Jahr das Gleis trotz ihres damaligen headliner-Status und des lächerlich geringen Eintrittspreises fast leer spielten, haben es mit Kompromissen eher mal so gar nicht. Denn Stoizismus scheint ihr Lebenselixier zu sein. Auf die von Club-Besitzern bestimmt ständig vorgetragenen Litaneien von wegen: „Ihr könnt in meinem kleinen indie club, der nicht mal 500 Besucher fasst, doch nicht mit einer Wand aus Marshall-Türmen auftreten, denkt doch an die Gesundheitsmafia!“, zucken sie ostentativ mit ihren, angesichts ihrer Musik, erstaunlich schmalen Schultern, deuten lässig auf ihre Tinnitus-betäubten Ohren und lassen es zwischen SHELLAC, HELMET, FUDGE TUNNEL, UNSANE und ... hey! ... KNOW SKOOLS dermaßen krachen und grooven, dass man nicht weiß, ob man lieber seinen verzückt zuckenden Extremitäten, oder seinen grausam fiependen Ohren gehorchen soll: Entweder man steht MY DISCO durch und hat später eine neue Lieblings-band, oder man fängt plötzlich das Rauchen an und steht die Lungen voll Qualm, aber die Ohren vorm Gleis voll Vogelgezwitscher und bekommt „Fisherman’s Friend“-Assoziationen: „Sind sie zu stark, bist Du zu schwach.“
 

Von mir aus.
 

(Fiep.)
 

FIEP!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
 
 
::: Links :::

 
- http://www.deadconfederate.com
- http://www.myspace.com/deadconfederate
- http://en.wikipedia.org/wiki/Dead_Confederate
- http://www.lastfm.de/music/Dead+Confederate
 
- http://www.mydisco.com.au
- http://en.wikipedia.org/wiki/My_Disco
- http://www.lastfm.de/music/My+Disco
- http://www.myspace.com/mydiscomydisco
- http://www.youtube.com/watch?v=g_-Rg9fIO8Y

Regie: Kevin Smith. Drehbuch: Robb & Mark Cullen. Kamera: David Klein. Musik: Harold Faltermeyer, Schnitt: Kevin Smith u.a.
Mit: Bruce Willis (Jimmy), Tracy Morgan (Paul), Sean William Scott (Dave), Michelle Trachternberg (Ava), Jason Lee (Roy), Kevin Pollack (Hunsaker), Adam Brody (Mangold) u.a.
107 Minuten      (4 von 10 Punkten)

Synopsis: New York, Gegenwart. Um die Finanzierung der Hochzeit seiner Tochter nicht dem neuen Ehemann seiner Ex-Frau zu überlassen, will NYPD-Cop Jimmy eine wertvolle Baseball-Karte zu Geld machen. Just in diesem Moment wird der Laden überfallen, das wertvolle Stück gelangt auf Umwegen in die Hand mexikanischer Drogendealer. Jimmys Partner Paul ist bisweilen zu sehr von Ahnungen abgelenkt, seine Frau betrüge ihn mit dem leptosomen Nachbarn, als dass er an Jimmys Seite höchstkonzentriert agiert. Die turbulente Jagd nach dem Bild von Andy Pafko wird noch erschwert durch die einmonatige Suspendierung vom Dienst nach einer vermasselten Einzelaktion.

Kritik: Kurz nach Filmbeginn spult Tracy Morgan als Cop Paul beim Verhör eines Verdächtigen einen Schwall von Filmzitaten herunter, um Jimmy hinter der Scheibe seine Vorstellung einer (wie er es prononciert) “Hommagee” zu präsentieren. Jener, zunächst skeptisch, schaut mit zunehmender Begeisterung zu und beömmelt sich bald vor Lachen.

Ähnliches erwarten Regisseur Kevin Smith und sein Team sicherlich auch vom Publikum ihres Filmes, der vom deutschen Verleih den Untertitel “Geladen und entsichert” zugesetzt bekam. Damit es auch wirklich jeder begreift, dass es lustig zugehen wird. Verbeugt vor oder zumindest orientiert hat man sich an Klassikern des Buddy-Movies der 80er-Jahre, allen voran NUR 48 STUNDEN (1982). Komplettiert wird die Hommage an die Zeit mit Hintergrund-Gedudel der damaligen Soundtrack-Ikone Harold Faltermeyer, der auch in den ersten beiden BEVERLY HILLS COP-Filmen (1984/87) in die Tasten gegriffen hat.

Jene Buddy-Movies funktionierten nach dem Rezept der großen Gegensätze zwischen den beiden Protagonisten. Ob sie nun Nolte/Murphy, Glover/Gibson oder gar Chan/Tucker hießen: Die Paare wussten sich aufgrund ihrer diametral entgegen gesetzten Charaktere (und Hautfarben) immer wieder aus den Situationen zu lavieren, in die sie geworfen wurden und/oder sich selbst lavierten. Willis und Morgan tun es ihren Vorbildern nach, bleiben aber enttäuschend blass und ohne Esprit. Ist das Genre noch zu ausgereizt, um nichts Originelleres hervorzubringen? Willis fand ich bestenfalls in seiner TV-Rolle in DAS MODEL UND DER SCHNÜFFLER (1985 – 1989) komisch, in COP OUT legt er eine mimische Eindimensionalität an den Tag, die nur noch übertroffen wird durch die aufdringlich markante Synchronisation seiner Stimme, die scheinbar ohne Einbindung von Hintergrundgeräuschen eingesprochen wurde. Morgan reißt es als Gegenpart und tapsiger Bär in Liebesnöten auch nicht heraus: Im Grunde eine sympathische Rolle, aber die Kontrastierung zum Film-Partner fällt zu gering aus, was im Endeffekt zum Verlust der durchaus gewünschten Reibeflächen führt.

COP OUT ist routiniert actionlastig, wortreich, mit tumben Bösewichten und zwei schönen Frauen durchsetzt und fußt auf einem Skript, das mehr der Aneinanderreihung von aberwitzigen Situationen entspricht denn einem Werk mit stringentem Handlungsverlauf und nachvollziehbarer Logik. Aber wer hätte letztere schon erwartet? Ins Knie geschossen hat sich indes derjenige, der hinter dem Regisseur Kevin Smith auch den Drehbuchschreiber K. S. erhofft hat. Stattdessen erwarten ihn die Albernheiten der Gebrüder Robb und Mark Cullen, die bislang in TV-Serienproduktionen ihr Bemühen an den Tag gelegt haben. Ihr Output in ihrem ersten Film auf der großen Leinwand ist höchst wechselhaft: Von manchmal durchaus originell bis leider vielmals zotig und bemüht.

Letztendlich kommt COP OUT trotz aller Anstrengung und sporadischen Lichtblicken nicht über filmisches Mittelmaß hinaus. Vom Kinobesuch bleibt nichts von Erinnerungswert zurück, dem Versacken vor dem TV-Gerät nicht unüblich. Es ist der pure Zeitvertreib, und im Anschluss hat man die Wahl, heroisch zu seiner Entscheidung zu stehen oder einzuräumen, die knapp zwei Stunden besser genutzt haben zu können.

(http://unverstaendlichesgespraech.wordpress.com)

Vom Hochglanz-Studentenstreifen bis zur Wohnzimmer-Socken-Animation, vom Liebesdrama bis zum Psychothriller, vom Zeichentrickfilm bis zur Experimentalkunst. Ausgezeichnete Profifilme treten an gegen No-Budget-Nebenbei-Produktionen.

Bewertet wird das Ganze trotzdem: Vom Publikum, das Punkte von 1 - 10 vergibt. Wer die meisten Punkte macht, ist der Sieger des Abends und nimmt Ruhm, Ehre und die Kurzfilm Slam Trophäe mit nach Hause.

Regie: Scott Cooper. Drehbuch: Scott Cooper, basierend auf dem Roman von Thomas Cobb. Kamera: Barry Markowitz. Musik: Stephen Bruton, T-Bone Burnett
Mit: Jeff Bridges (Bad Blake), Maggie Gyllenhaal (Jean Craddock), Robert Duvall (Wayne), James Keane (Manager), Colin Farrell (Tommy Sweet), Jack Nation (Buddy) u. a.
112 Minuten      (7 von 10 Punkten)

Synopsis: Im Südwesten der USA, Gegenwart. Der einst gefeierte Country- & Western-Sänger Bad Blake ist nur mehr ein Schatten seiner selbst. Mit 57 Jahren bestreitet er immer noch mit seinen alten Songs und drittklassigen Gigs sein Auskommen. In Santa Fe interviewt ihn die gut 25 Jahre jüngere Jean Craddock, sie verlieben sich ineinander. Blake verspürt den Wert eines Menschen in seiner Nähe, wie er ihn seit Jahren und nach vier gescheiterten Ehen nicht mehr wahrgenommen hat.

Kritik: Zugegeben, der Plot ist nicht gerade neu: Ein im Sinkflug begriffener Held eiert mehr instinktiv denn motiviert durch seine traurige Existenz, besinnt sich nach einem Schlüsselerlebnis seiner selbst und rappelt sich wieder auf. Erstaunlich ist hingegen, dass selbst gestandene Mimen verschiedenster Couleur zu ihren besten Leistungen auflaufen, wenn sie eben jene gestrauchelten Charaktere spielen. Paradebeispiel in neuester Zeit ist Mickey Rourke in THE WRESTLER (2008), wir erinnern uns aber auch gerne an Sam Shepard in DON’T COME KNOCKING (2005), Jack Nicholson in ABOUT SCHMIDT (2002) und Sylvester Stallone in COP LAND (1997).

Nun ist es also Jeff Bridges als alkoholabhängiger Sänger Bad Blake, und die Performance lässt unweigerlich Erinnerungen an seine Kultrolle des Jeffrey “Dude” Lebowski (THE BIG LEBOWSKI, 1998) wach werden. Nur zu sehr ähneln sich beide Charaktere, von Aussehen und Gehabe ganz zu schweigen, was dem Film neben der tragischen auch eine gewollt komische Note verleiht. Es ist eine Leistung von Regie, Drehbuch und dem Spiel von Jeff Bridges, dass der Figur des Bad Blake bei allem Verdruss und Zynismus eine gewisse Würde anhaftet, die uns Respekt abverlangt. Er ist seiner Linie treu geblieben, redet nicht um den Brei herum, ein Relikt einer alten Zeit, wie ein Dinosaurier dem Untergang geweiht. Doch kann er ohne Übertreibung von sich behaupten: “Son, I’ve played sick, drunk, divorced, and on the run. Bad Blake hasn’t missed a goddamn show in his whole fucking life.”

Zitate wie dieses sind es, mit denen Blake – und CRAZY HEART als Ganzes – dem modernen Country & Western-Business einen kurzen Seitenhieb versetzen, das mit der Romantik der von der neuen Musik-Generation längst vergessenen Heroen des Genres kaum mehr etwas zu tun hat. Wir nehmen mit Wehmut zur Kenntnis, dass Blake noch wie anno dazumal mit seinem Chevrolet Station Wagon von Auftritt zu Auftritt tingelt, seine Fangemeinde mindestens genau so alt ist wie er und sich an den Songs erfreut, die er seit 15 Jahren wiederholt. Eine Handvoll echte Freunde sind ihm geblieben, die in rauer, aber herzlicher Manier miteinander umgehen. „Fallin’ and flyin’“: Sein größter Hit wird zum Ausdruck einer Existenz. Zu weitergehender Kritik lässt sich CRAZY HEART aber nicht hinreißen. Vielmehr kommt es an verschiedenen Stellen zu einer sentimentalen Verbrüderung zwischen alter und neuer Generation, die die Illusion einer heilen Welt nährt.

Wenn mit Maggie Gyllenhall als Jean die Liebe ins Spiel kommt, driftet der Film merklich in seichtere Bahnen ab. Taktgeber ist nun nicht eine Episodenfolge mit neuen Personen und Locations, sondern die Beziehung der beiden Akteure. Für Herz und Auge gewiss eine Bereicherung, die Wandlung in Richtung Melodram ist indes nicht frei von Klischees und vorhersehbaren Wendungen. Was während der zweiten Hälfte an Komik und Bridges-Präsenz verloren geht, wird leider nicht vollständig durch Emotion und Happy-End wiedergutgemacht.

Insgesamt ist CRAZY HEART ein auch für den Nicht-Countrymusik-Fan sehenswerter Film. Bridges und Farrell singen selbst, es regnet nie in Amerikas Südwesten, und auch wenn die Zeiten schwierig sind, so zählen doch die Freunde, die zusammenhalten und ganz fest auf das Licht am Ende des Tunnels hoffen.

(http://unverstaendlichesgespraech.wordpress.com)

Regie: Martin Scorsese. Drehbuch: Laeta Kalogridis, nach dem Roman von Dennis Lehane. Kamera: Robert Richardson. Musikalische Leitung: Robbie Robertson. Schnitt: Thelma Schoonmaker u. a.
Mit: Leonardo DiCaprio (Teddy Daniels), Mark Ruffalo (Chuck Aule), Ben Kingsley (Dr. Cawley), Michelle Williams (Dolores), Emily Mortimer & Patricia Clarkson (Rachel Solando), Max von Sydow (Dr. Naehring), Ted Levine (Warden), John Carroll Lynch (Deputy Warden McPherson) u. a.
138 Minuten     (6 von 10 Punkten)

Synopsis: Ostküste der USA, 1954. Der seit seinem Einsatz im 2. Weltkrieg traumatisierte US-Marshal Teddy Daniels wird samt Kollegen Chuck Aule nach Shutter Island Ashecliffe Hospital beordert, um das spurlose Verschwinden einer mehrfachen Mörderin aufzuklären. Die Gefängnisinsel fungiert gleichzeitig als Klinik psychisch gestörter Straftäter. Wachpersonal und Ärzte kooperieren nur widerwillig mit den Beamten. Als die Vermisste wie aus dem Nichts wieder auftaucht, wittert Daniels weitere dunkle Machenschaften, forscht auf eigene Faust und kann bald niemandem mehr trauen.

Kritik: SHUTTER ISLAND sieht man ab der ersten Szene an, dass Geld – viel Geld – im Spiel ist und die Beteiligten keine Anfänger ihres Faches sind. Da wirkt nichts hingeschludert: Bis in die kleinsten Ecken wurde Staub gewischt oder – je nachdem – ostentativ verteilt, die letzte Fluse von der Uniform des Wachhabenden gepustet, im Arbeitszimmer ist bedeutungsschwanger ein steinerner Adonis drapiert, Gustav Mahler ertönt aus dem Grammophon und und und. Erst wenn Perfektion in Griffweite ist, erweckt Meister Scorsese durch ein „Action“ die Szenerie zum Leben.

Eine Szenerie wie hinter Glas: Museumsreif, artifiziell, konstruiert und bisweilen vorhersehbar. Dem Zufall wird auch im Handlungsgeflecht nichts überlassen. Wenn der Sturm über die Insel zieht, fällt natürlich nicht nur die Telefonverbindung zum Festland aus, sondern das gesamte Stromnetz zusammen. Der Hochsicherheitsblock C ist weit mehr als ein labyrinthischer Trakt aus Stahl und Beton, nämlich ein Hölleninferno à la Hieronymus Bosch, gegen das die Einzelzellen in Chateau d’If wie Luxussuiten aussehen. Die Insel selbst hat nichts Anheimelndes an sich, besteht nur aus Steilküsten, grobem Waldbewuchs, einem Leuchtturm und der Gefängnisklinik selbst.

Bevölkert ist Shutter Island ebenfalls von den üblichen Verdächtigen. Ben Kingsley und Max von Sydow spielen das, was sie am besten können: Sinistre Herren, die von den Gefangenen als Patienten sprechen, aber als Alleinbeherrscher der Behandlungsmaßnahmen manche Leiche im Keller haben. DiCaprio macht seine Sache als 50er-Jahre-Marshal gut, wenngleich er und Kollege Mark Ruffalo die langen Trenchcoats und tiefen Hüte nicht ganz so ausfüllen wie dereinst gestandene Herrschaften wie James Gandolfino und John Travolta in LONELY HEARTS KILLERS (2006). Immerhin: DiCaprio spielt seinen Teddy Daniels als einen Besessenen, seine Performance ist intensiv und (Leinwand-) formatfüllend, der Film ganz auf seine Figur zugeschnitten.

Es ist ein Männerfilm. Frauen haben in den USA des Jahres 1954 nicht viel zu melden, und auf einer Gefängnisinsel schon gar nicht. Wenn sie denn auftauchen, dann als mahnende Kassandra oder Kalypso, die den Helden nicht loslassen will. Jene Einschübe, die gerne auch als Flashbacks im Kopf von Daniels zur Anwendung gebracht werden, öffnen das Feld für weitere Spekulationen über das Wie und Warum, führen aber leider auch zur Ausbremsung des ansonsten ständig unter Strom stehenden Protagonisten. Wie häufig bei Mystery-Thrillern, die von begrenzter Personenzahl auf abgeschottetem Areal handeln, wird aus dem Jäger der Gejagte, er sieht sich von Widersachern umgeben, fassbare wie auch jene, die sich in sein Bewusstsein schleichen. Dass Scorsese es mit jenen Winkelzügen, falschen Fährten und überraschenden Wendungen besonders zum Schluss hin übertreibt, nagt am Spannungsgehalt der ansonsten furiosen Handlung.

Überhaupt werde ich den Eindruck nicht los, dass beim Drehbuchschreiben nach dem Motto verfahren wurde: Je mehr Abweichen von der klaren Linie, desto besser. Eine Verschwörungstheorie jagt die nächste, die Dämonen der Vergangenheit mischen kräftig mit, ein ums andere Mal darf das Publikum den Film erneut Revue passieren lassen, um zu erkennen, dass es andersherum noch viel mehr Sinn macht. Für manche ein Ärgernis, aber immerhin: Passgenauigkeit auf höchstem Niveau ist garantiert. Schließlich sind wir beim Meister persönlich zu Gast.

(http://unverstaendlichesgespraech.wordpress.com)

„And what costume shall the poor girl wear / to all tomorrow’s parties / A hand-me-down dress from who knows where / To all tomorrow’s parties / And where will she go and what shall she do / When midnight comes around / She’ll turn once more to Sunday’s clown / And cry behind the door“ (The Velvet Underground & Nico)

Synopsis: Unter dem Namen „Bowlie Weekender“ im April 1999 vom Belle & Sebastian-Frontmann Stuart Murdoch im verschlafenen Feriendomizil Camber Sounds, East Sussex, England ins Leben gerufen und von Barry Hogan unter dem Namen „All Tomorrow’s Parties“ weiter geführt und mit einer zweiten location versehen (Butlin’s Holiday Camp, Minehead, Somerset, England), hat die Festival-Reihe seit 2002 auch einen Ableger in New York City.

Die „All Tomorrow’s Parties“-Festivals kommen ohne die ansonsten so überpräsenten Weltunternehmen als Sponsoren aus und zeichnen sich zudem dadurch aus, das eine band oder ein(e) Künstler/-in, der nicht unbedingt aus dem music business (zum Beispiel SIMPSONS-Schöpfer Matt Groening) kommen muss, als Kurator/-in das line-up zusammen stellt: „It’s the ultimate mixtape!“ (Thurston Moore / Sonic Youth)

Die „All Tomorrow’s Parties“-Festivals gelten deswegen als eines der letzten Refugien für do-it-yourself-Kunst und -Kultur und haben sich inzwischen über eine Dekade lang als verlässlicher Seismograph für herausragende Musik aus den Bereichen indie, post-rock, underground hip hop, trip hop, dub, folk & Co. erwiesen.

Kritik: Allein der Anfang ist ein Genuss. Wie Jonathan TARNATION Caouette hier alte Wochenschau- und Dokumentarfilm-Aufnahmen über die beiden englischen Küstenbadeorte, in denen die Festivals stattfinden, mit den Live-Aufnahmen eines Auftritts der post-rock-all-star-Kapelle Battles zusammen kaleidoskopiert, unterlegt mit deren hypnotischem Über-hit „Atlas“ … der Film ist keine zwei Minuten alt und schon hat man sich seinen Allerwertesten im Kinosessel wund getanzt.

ALL TOMORROW’S PARTIES behält diesen furiosen Auftakt als Tempovorgabe für die nächsten 80 Minuten bei und Jonathan Caouette verquirlt split screen-Verfahren, Super8-Aufnahmen, verwackelte handy-Videos und klassische Rockkonzert-Aufnahmen derart wild mit seinem Regisseursmixstab, das einem alsbald Hören und Sehen vergeht. Gleichzeitig wächst der Neid auf diejenigen, die einmal bei einem dieser Festivals dabei waren, mit jeder vergehenden Filmminute schier ins Unerträgliche.

Weil: Es folgt highlight auf highlight. Kaum sind Battles verklungen, kommen The Gossip auf die Bühne und Beth Ditto & Co. dürfen in einer grandiosen performance, welche drei Jahre vor ihrem Durchbruch stattfand, zeigen, warum sie inzwischen zurecht super stars sind.

Dann sind da auch noch ein bestens aufgelegter Nick Cave, der mit seinem Bad Seeds-Ausflugsprojekt Grinderman den „No pussy blues“ anstimmt, der immer noch so schwer verstörte wie geniale Daniel Johnston, der ein freies Konzert auf dem Rasen vor der Ferienanlage gibt, Sonic Youth, die sich im Probenraum über die (Ver-)Stimmungen ihrer Gitarren streiten, Portishead, die einen unvergesslichen set hinlegen, die grindcore-weirdos von Lightning Bolt, die open air, ebenfalls auf dem Rasen der Ferienanlage, ein derart infernalisches Kurzkonzert geben, dass die Nachbarn sich beschweren, Grizzly Bear, die mit einem devoten Anhängsel aus zirka 100 fans am Strand entlang wandern und das wunderschöne „Deep blue sea“ intonieren, A Hawk and a Hacksaw, die illegal in einer örtlichen Spielhalle auftreten, während sich der stiernackige security guard einfach nicht dazu durchringen kann, sie rauszuwerfen, weil ihre Musik so hinreißend ist …

… und …

… und …

… und …

Dieses Undundund ist auf Dauer aber auch ein Nachteil. Denn so mitreißend das alles ist … es kehrt halt nie Ruhe ein. An der Tonspur kann man sich zwar niemals satt hören, aber die sie unterstützenden Bilder buhlen halt, dabei immer farbenfroh psychedelisch vor sich hin blubbernd, ebenfalls um die Aufmerksamkeit: Split screen um split screen wird aufgemacht, Super8-Aufnahmen werden kommentarlos dazwischen geschnitten, Jahrzehnte von englischer Seebad-Historie werden in Bruchstücken von Sekunden aufgegriffen und genau so schnell wieder abgehandelt, ein Ausschnitt aus der Sonic Youth-Tour-Doku 1991 – THE YEAR PUNK BROKE wurde auch noch aufgetrieben und ohne Fußnote verwendet und dann werden zu allem Überfluss auch noch private handy-Videos von besoffenen, knutschenden und urinierenden Festival-Besuchern mit in diesen Maelstrom geworfen, als hätte der Film nicht schon audiovisuelle Zutaten genug.

Und das ermüdet leider auf Dauer, zumal nirgendwo ernsthaft die Absicht ausgemacht werden kann, dass hier eine Dokumentation stattfindet. Diese war möglicherweise auch nie angedacht, aber dass ALL TOMORROW’S PARTIES einfach nur eine Ansammlung von Bruchstücken bleibt, ein inkohärentes Konglomerat aus Aus-, Ein- und Zufällen und sich damit ohne jeden roten Faden, ohne jede bindende Klammer zufrieden gibt, ist schon ein nicht weg zu diskutierendes Manko dieses ansonsten selbstverständlich absolut sehenswerten Films.

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Regie: Peter Jackson. Drehbuch: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, nach dem Roman von Alice Sebold. Produzenten: Carolynne Cunningham, Fran Walsh, Peter Jackson, Aimee Peyronnet. Kamera: Andrew Lesnie. Musik: Brian Eno
Mit: Mark Walberg (Jack Salmon), Rachel Weisz (Abigail Salmon), Saoirse Ronan (Susan „Susie“ Salmon), Susan Sarandon (Grandma Lynn), Stanley Tucci (George Harvey), Michael Imperioli (Len Fenerman), Rose McIver (Lindsey Salmon), Christian Ashdale (Buckley Salmon) u. a.
135 Minuten     (3 von 10 Punkten)

Synopsis: Eine Kleinstadt in Pennsylvania, USA, Dezember 1973. Die vierzehnjährige Susie Salmon nimmt auf dem Heimweg von der Schule die Abkürzung über ein Maisfeld. Dort wird sie vom Nachbarn George Harvey in ein Erdloch gelockt und getötet. Die Leiche wird nie gefunden. Von einer Art Zwischenhimmel aus verfolgt Susie, wie sich die Ermittlungen im Mordfall entwickeln und ihre Familie mit dem Verlust der Tochter umgeht. Sie versucht, die Hinterbliebenen zu kontaktieren.

Kritik: IN MEINEM HIMMEL ist eigentlich nur dann sehenswert und beklemmend, wenn Stanley Tucci als sinistrer Nachbar und Mörder im Bild erscheint. Im Jenseits hat er eine grauenvolle Szene mit Badezimmer, die der Vorstellung eines Guillermo del Toro (PANS LABYRINTH, HELLBOY 2) hätte entsprungen sein können. Im Diesseits und zum Glück wohldosiert häufig genug fasziniert er als Verkörperung des Wolfes im Schafspelz und bekleidet die einzig lohnenswerte Rolle inmitten einer Riege Akteure, die sich mit vorhersehbaren und in trauernder Apathie versinkenden Parts zufrieden geben muss. Sie bleibt das Highlight, die Oscar-Nominierung als bester Nebendarsteller für Tucci ist akzeptabel, allerdings nicht ausreichender Grund, einen ansonsten enttäuschenden Film anzusehen.

Die Romanvorlage aus dem Jahre 2002 führte lange Zeit die amerikanischen Bestsellerlisten an. Inklusive der Kindheitserinnerungen Susies erstreckt sich die Handlung über mehr als 15 Jahre und bietet sowohl ein Abbild der persönlichen Befindlichkeiten, als auch das des Kleinstadtlebens an der amerikanischen Ostküste in den 70er Jahren. Nicht ohne gewisse Längen wird aus der Sicht der toten 14-jährigen Susie erzählt, welche auch detaillierte Beschreibungen ihrer Zwischenwelt nicht auslässt.

Peter Jackson sah wohl Stoff genug, um nach seiner Runde durch die Bombastfilmabteilung zurück zu seinen Wurzeln im intimeren Beziehungskino (HEAVENLY CREATURES, 1994) zu finden. Der Rotstift wurde angesetzt und das üppige Buch entschlackt: Nebenfiguren: Weg! Susies Kindheit: Weg! Alle Geschehnisse in Chronologie gebracht und auf 2 Jahre zusammengepresst. Und die Elemente aus dem Jenseits ausgeweitet. Moment mal: Ausgeweitet?

Tatsächlich – und zu meinem (unser aller Betrachter) Leidwesen – verringert sich deren Zahl nicht im gleichen Verhältnis wie andere Teile der Romanhandlung. Susies Einfluss bleibt nicht bescheiden allgegenwärtig, sondern ist schlichtweg übermächtig. Beim Lesen habe ich die Möglichkeit, jene mich störenden Seiten (Füllsel) wegzublättern. Im Kino muss mich durch all jene Szenen quälen, die mehr Peter Jacksons Vorliebe für optischen Firlefanz ausdrücken als dem Fortgang der Kernhandlung dienlich sind. Die Befindlichkeit von Susie im Jenseits zu erfahren dürfte nur für die Esoteriker unter uns gerade noch von Interesse sein. Wer für einen melodramatischen Spielfilm gekommen ist, den erdrücken die kitschigen am Computer generierten Bilder à la Phototapete bzw. Bildschirmhintergrund schon von Beginn an. In die gleiche Kerbe schlägt die aufdringlich Gefühle betonende Orchestrierung durch Brian Eno. Und selbst Saoirse Ronan, deren misshandelter Susie anfangs unser aller Mitgefühl galt, trägt in ihrer Rolle einen so prägnanten wie einseitigen Gesichtsausdruck zu Markte, der mit zunehmender Filmdauer mehr als bekannt ist.

IN MEINEM HIMMEL wartet mit Schauspielern auf, deren Können einst ausgezeichnet wurde. Er zeigt aber auch die Richtigkeit des Leitspruches, dass aus einer Anzahl guter Einzelkünstler noch lange kein gutes Team wird, zumal für sie von der Kerngeschichte (Kriminalfall und Bewältigung) zu wenig bleibt, um sich auszeichnen zu können. Vielleicht hat sich der falsche Regisseur am Stoff vergriffen? Wenn zum Abspann das elegisch-träge „The Moon’s Lament“ von Cincy D’lequez-Sage gespielt wird, scheint sich Peter Jackson selbst für sein Machwerk entschuldigen zu wollen.

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Bereits im "Gleis" gesehen und für (mehr als) gut befunden: JA, PANIK! aus der österreichischen Hauptstadt ("Wien, du bist ein Taschenmesser") erinnern zwar in ihrem intellektuell-linksradikalen Diskurs / Duktus an bands der Hamburger Schule wie BLUMFELD / JOCHEN DISTELMEYER, DIE GOLDENEN ZITONEN, DIE STERNE und TOCOTRONIC, stagnieren aber nicht etwa wie die zuvor genannten auf allerhöchstem Niveau, sondern haben längst die nächste Stufe auf ihrem unaufhaltsamen Weg zum deutschsprachigen Popmusik-Olymp erklommen: "Die beste band des gesamten deutschsprachigen Raums" (Gleis 22), fürwahr: Das ist keine Übertreibung, sondern vielmehr nüchterne Analyse.

Doch ansonsten ist "alles hin, hin, hin", weil: "Alles Geld, alles Angst". So überzeugend angewidert war selten eine band, die textlich noch dazu zwischen Englisch und Deutsch derart gekonnt oszilliert ("Bitte oszillieren Sie!", TOCOTRONIC), als habe man es hier bloß mit regionalen Dialekten zu tun: THOMAS BERNHARDsche Misanthropie trifft auf schmerzhaft genau ausformulierte Systemkritik trifft auf nervös-hibbeligen und doch zugleich musikalisch ausdifferenzierten post punk, bei dem insbesondere das ansonsten eher selten dominante Piano, respektive keyboard, positiv zu vermerken ist. JA, PANIK!s Musik ist nicht nur diesbezüglich "mehr als die Summe der einzelnen Teile" (KANTE).

JA, PANIK! sind jetzt schon Österreichs beste band aller Zeiten, und wenn die so weiter machen, sind sie es bald und für immer für den gesamten deutschsprachigen Raum. Jedes ihrer Lieder ist ein Manifest: Gegen die Gier, gegen das Geld, gegen den nur scheinbar unwiederbringlichen ERSATZ (Heidegger) von Demokratie / Phantasie / Poesie durch Ökonomie - etwas wohltuend Intelligenteres gibt es derzeit in der deutschsprachigen Popmusik, abseits der oben genannten Hamburger Szenegrößen nicht.

Please welcome, from Vienna, Austria: Das unfasslich herausragende Quintett JA, PANIK! (Plus zwei weitere hörenswerte hiesige indie rock acts!)

::: Links :::

- http://ja-panik.com
- http://www.myspace.com/japanik
- http://de.wikipedia.org/wiki/Ja,_Panik
- http://www.lastfm.de/music/Ja,+Panik

- http://www.peerband.de
- http://www.myspace.com/peeripherie

- http://www.myspace.com/playrewind
- http://www.lastfm.de/music/Play+and+Rewind

Update: Ist schon ausverkauft!

Die Familienband ist aus dem Himmel der 40er und 50er Jahre gefallen. Die Teenager Kitty und Daisy mit Minirock, High Heels, ihrem Bruder Lewis - und in Begleitung ihrer Eltern. Die scheinen ihre Kids mit dem Swingsound gefüttert zu haben! Das Ergebnis ist eine Sensation aus dem Norden Londons. Mit Vollblutgesang, unüberhörbarem britischen Akzent und allen Instrumenten von Klavier, Gitarre, Banjo über Ukulele, Akkordeon, Posaune bis zu Kontrabass, Schlagzeug und Mundharmonika. Volker Sippel, Cheftechniker des Pumpenhauses, konnte die Band für das einzige Deutschlandkonzert gewinnen und damit ein weiteres Highlight in der Reihe „Musik, die unsere Techniker lieben“. Das Konzert startet am Sonntag, 21. März, um 20:30 Uhr, der Vorverkauf hat begonnen.

Zuhause im heimischen Studio entstehen die zwei ersten Singles; dann spielt die Familienband auf zahlreichen englischen Festivals und als Support von Bands wie Razorlight, The Pipettes, Mika, The Concretes und The Cuban Brothers. Die Haupteinflüsse ihrer Songs sind nicht zu überhören. Ihre Plattensammlung reicht von Louis Jordan, Louis Armstrong, John Lee Hooker, Johnny Cash, Little Richard, Mississippi John Hurt über Nina Simone, Ray Charles, Robert Johnson und natürlich Elvis Presley. Im August 2008 erscheint mit "Kitty, Daisy & Lewis" das offizielle Debüt der Durhams. Zehn Songs im Retro der 40er und 50er Jahre, schwungvoll, Rockabilly-mäßig umgesetzte Klassiker, eigene Kompositionen mit viel Gefühl und Leidenschaft.

Auf der Bühne wechseln sie untereinander die Instrumente und präsentieren dem euphorischen Publikum amüsante Texte und schnörkellose Interpretationen, Rhythmen die ins Blut gehen und einfach gute Laune machen.

Vorverkauf

WN-Ticket-Shop, Prinzipalmarkt 13 48143 Münster Tel. 0251/ 69 05 93 und Jörgs CD-Forum, Alter Steinweg 4, Münster, Tel. 0251/ 58889

Theater im Pumpenhaus, Gartenstraße 123, Münster, Tel. 0251/ 233443

» www.pumpenhaus.de

„Metal on metal / It’s what I crave / The louder the better / I’ll turn in my grave“ (Anvil)

„You think I’d crumble / You think I’d lay down and die / Oh no, not I / I will survive“ (Gloria Gaynour)

Synopsis: Cinema Münster, Montag, 22. Februar 2010, 20.30 Uhr. Dies ist eine Vorpremiere, die in Zusammenarbeit mit dem hiesigen, legendären club Gleis 22 zu Stande gekommen ist, also gibt es nicht das sonst übliche Kino-Vorprogramm. Stattdessen steht eine einsame Plattenhülle vor der Leinwand, darauf ein Amboss und die Worte „Anvil – Live in concert“ (Metal Blade Records, 1989). Nebenan steht ein ebenso betagter wie portabler Plattenspieler und dudelt tapfer das vor sich hin, was ein Mitschnitt eines Anvil-Konzertes in Japan Ende der 80er darstellen soll. Was ohnehin schon surreal daher kommt, wird angesichts dessen, was danach 80 Minuten über die Leinwand flimmert, nur noch unglaublicher:

No, THIS ISn’t SPINAL TAP – it’s Anvil!: Dass Anvil tatsächlich existieren, dass es diese band ohne Scheiß wirklich gibt, ist nicht nur angesichts der zahlreichen SPINAL TAP-Momente (Regie: Rob Reiner – ist das nun Zufall oder Schicksal?), die Sacha Gervasi hier eher unfreiwillig vor die Linse und man als irgendwann restlos in Tränen aufgelöster Zuschauer zu sehen bekommt, nämlich dennoch nicht zu fassen:

ANVIL! THE STORY OF ANVIL erzählt die unglaublicherweise wahre Geschichte der Sandkastenfreunde Steve „Lips“ Kudlow (lead vocals / lead guitar) und Robb Reiner (drums) und ihrer band Anvil, welche 1982 mit ihrem gerade erst zweiten Album „Metal on metal“ den Weg für die großen Vier (Anthrax, Megadeth, Metallica, Slayer) des von ihnen quasi erfundenen genres thrash metal ebneten, nur um wenig später in der Versenkung zu verschwinden, sich dennoch nicht aufzulösen und nicht ohne dabei sage und schreibe 10 lächerlich erfolglose Alben heraus zu bringen.

Drehbuchautor, Regisseur und Anvil-fan der ersten Stunde, Sacha Gervasi, begleitet die beiden ungleichen Freunde fürs Leben (Robb ist Sohn eines ungarischen Auschwitz-Überlebenden, Edward Hopper-Verehrer und Kunstmaler, „Lips“ ist das schwarze Schaf seiner gleichfalls jüdischen Familie) auf ihrer größten (und unfasslich desaströsen) Tour seit 20 Jahren durch Schweden, Tschechien, Rumänien, Deutschland etc. im Jahre 2005 und bei den Aufnahmen zu ihrem dreizehnten Album („This is thirteen“, 2007), das, obwohl sie es mit ihrem Lieblingsproduzenten Chris Tsangarides (der nicht nur ihr legendäres „Metal on metal“-Album produziert hat, sondern auch Black Sabbath, Thin Lizzy & Co.) in der beschaulichen englischen Grafschaft Dover aufnehmen, bei keiner Plattenfirma unterbringen können …

Als sich scheinbar alles gegen die zunehmend verzweifelten und sich untereinander zerfleischenden heavy metal-Blutsbrüder zu wenden scheint, erreicht „Lips“ ein Anruf aus Japan …

Kritik: Schlichte Mathematik ist hier ausnahmsweise mal hilfreich: „Monsters of Transylvania“-Festival, Târgu Mures, Rumänien, 2005: Fassungsvermögen der Konzerthalle: 10.000 Zuschauer. Anwesend: 174. Headliner: Anvil. Steve „Lips“ Kudlow dazu im Vorfeld: „10.000 fans! Sogar der Bürgermeister von Transylvanien [sic!] soll da sein!“

Und das ist nur ein „zum Beispiel“.

Drehbuchautor und Regisseur Sacha Gervasi ist auch gerade deswegen schlichtweg ein Genie. Denn wie sehr sich seine Lieblings-band Anvil, insbesondere das ewige, ständig mit weit aufgerissenen, staunenden Augen auf die Welt blickende, Kind in Familienvatergestalt, Steve „Lips“ Kudlow auch am Rande der Lächerlichkeit und bisweilen weit darüber hinaus bewegt, Sacha Gervasi lässt es niemals zu, dass „Lips“, Robb & Co. zu Witzfiguren verkommen.

Stattdessen weint man sich als geneigter Betrachter die Augen aus und ist dank Gervasi auch irgendwann stolz darauf, weil da nämlich keine schwermetallenen Lachtränen in die längst geleerte Bierflasche tropfen (wer denkt schon daran, ausgerechnet Taschentücher in eine heavy metal-Doku mitzunehmen?), sondern weil man Rotz und Wasser über eine Männerfreundschaft vergießt, die rührender ist als CASABLANCA, LOVE STORY und VOM WINDE VERWEHT zusammen. Und das ist noch maßlos untertrieben.

ANVIL ist aber eben nicht nur die GESCHICHTE EINER FREUNDSCHAFT in einer zugegeben etwas antiquiert tönenden thrash metal band, gegen deren output selbst Iron Maiden progressiv klingen, sondern auch eine Ode an das Durchhaltevermögen des menschlichen Geistes, ein TRIUMPH DES WILLENS, ohne falsches Pathos, ohne unreflektierte Heldenverehrung und vor allem ohne auch nur irgendetwas beschönigen zu wollen:

Nach dem schönsten happy end der Dokumentarfilmgeschichte stehen „Lips“ und Robb zwar exakt an der Kreuzung in Shibuya, Tokio, Japan, an der sich vor gar nicht allzu langer Zeit die Wege von Bill Murray und Scarlett Johansson in einem der schönsten Liebesfilme aller Zeiten trennten: LOST IN TRANSLATION. Dabei haben sie am Ende nichts weiter erreicht, als auf einem metal festival als erster act auf dem line-up, um 11.35 Uhr morgens, das Haus zu rocken.

Schlichte Mathematik ist hier ausnahmsweise mal hilfreich: Tokio, Japan, 2007: Fassungsvermögen der Konzerthalle: 20.000 Zuschauer. Anwesend: 20.000. Opening act: Anvil. Steve „Lips“ Kudlow dazu, später: „Look, Godzilla!“

P.S.: Anvil haben bis heute keinen Plattenvertrag. Sie vertreiben ihre Platten, t-shirts, ihre Autobiographie (quasi das Buch zum Film, mit einem Vorwort von Slash) und sonstigen merchandise über ihre homepage.

Kaufen! Alles!

Sonst Satan.

(Kinostart: 11. März 2010)

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Regie: Jason Reitman. Buch: Jason Reitman und Sheldon Turner. Nach dem Buch von Walter Kirn. Kamera: Eric Steelberg. Schnitt: Dana E. Glauberman. Musik: Rolfe Kent
Mit: George Clooney (Ryan Bingham), Vera Farmiga (Alex Gohan), Anna Kendrick (Natalie Keener), Jason Bateman (Craig Gregory), Danny McBride (Jim Miller), Melanie Lynskey (Julie Bingham), Amy Morton (Kara Bingham) u. a.
109 Minuten      (7 von 10 Punkten)

Synopsis: USA, Gegenwart. Ryan Bingham ist ein gut situierter, perfekt organisierter und frei von emotionalen Bindungen lebender Flugnomade Ende 40, dessen Aufgabe es ist, Angestellten anderer Firmen die Kündigung im persönlichen Gespräch beizubringen. Auf einer seiner Reisen lernt er die seelenverwandte Vielfliegerin Alex Gohan kennen. Als seine neue Kollegin Natalie Keener ein Verfahren der Entlassung per Video-Mitteilung vorschlägt, nimmt er die Novizin mit auf Tour, um sie Vor-Ort-Erfahrung machen zu lassen. Die Nähe zu den beiden Frauen sowie die Hochzeit seiner Schwester führen schließlich dazu, dass Bingham den Wert seiner Lebensführung überdenkt.

Kritik: Regisseur und Autor Jason Reitman erklärte in einem Interview, seine beiden letzten Filme THANK YOU FOR SMOKING (2006) und JUNO (2007) seien nur wegen guter Kritiken und seiner Überzeugungsarbeit vom Publikum besucht worden, während UP IN THE AIR allein durch die Erwähnung von George Clooney die Kinos fülle*. Klar ist: Die Fans des 48-jährigen Stars werden nicht enttäuscht. Clooney Darstellung eines smarten Singles mit Platin-Karten und VIP-Status ringt zugleich Bewunderung und Amüsement ab, die Choreographie bewährter Handgriffe und Laufwege im Flughafen-Dschungel gleich zu Filmbeginn ist meisterhaft inszeniert, der Off-Kommentar vergnüglich. Nach wenigen Minuten wird deutlich, dass Reitmans Filme keine Zufallserfolge waren.

Clooneys Performance als Bingham ist selbst dann faszinierend, wenn er souverän und aalglatt völlig arglosen Angestellten die Kündigung mitteilt und sein Repertoire an wohlplatzierten Gesten, Tonfällen und Worthülsen zum Besten gibt. Ein Profi, der das Verkünden von Hiobsbotschaften zu einer Kunst gemacht hat. Aus seiner Motivation macht er keine Mördergrube. Als Redner in Motivationsseminaren betitelt er abfällig beziehungstreue Menschen als “monogamous swans”, sich selbst jedoch als “shark”, der persönliche Bindungen als Last empfände, die er wie einem Rucksack mit sich trüge.

Dass solche Charaktere zu bekehren sind, liegt in der Erwartung des Publikums. Mit einer großartigen Vera Farmiga als Alex wird Clooney auch ein Co-Star mit genügend Präsenz und Gewicht gegenüber gestellt, um ihm Paroli zu bieten. Wenn sie aufeinander treffen, knistert es merklich in der Luft. Ein Exkurs vom glamourösen Parkett seiner Arbeitswelt weg zur Hochzeit der Schwester leitet dann unweigerlich die Katharsis ein. Das ist nicht unvorhersehbar, die Atmosphäre driftet merklich ins Sentimentale ab, Binghams Familie gleicht vom Aussehen und Verhalten sehr den “Normalos”, die er fortwährend feuert …, wenn’s hier nicht passiert, wann dann?

Indes: Regisseur Reitman sträubt sich gegen die Bezeichnung “romantische Komödie”. Sein Film soll auch eine Kritik an gegenwärtigen Kapitalismus und der Hire&Fire-Mentalität sein. Nicht umsonst wurden Laien-Darsteller aus dem Raum Detroit und St. Louis gecastet, die unlängst selbst den Job verloren hatten. Die (Langzeit-)Wirkung ihrer authentischen Aussagen ist allerdings begrenzt. Der Zynismus geht unter angesichts der anderen Aspekte der Haupthandlung, die ins Komödiantische laufen. Reitman hat ein Händchen für spritzige Dialoge (insbesondere die Rivalität zwischen Bingham und der forschen Newcomerin Natalie zählen zu den Highlights), als Unterstreichung der Kritik an der Freisetzung von menschlichen Produktionsmitteln sind sie hingegen kontraproduktiv.

UP IN THE AIR erhält von der Kritikergemeinde fast durchweg gute Beurteilungen, und jene waren für mich der Grund, den Film anzusehen. Jetzt muss ich mich aber der zutreffenderen der weniger namhaften Wochenschau “na dann” anschließen: Jason Reitmans gewagte Gradwanderung zwischen Kapitalismuskritik und Feel-Good-Komödie ist zwar der richtige Film zur richtigen Zeit, aber dennoch zu schablonenhaft und vorhersehbar, um länger als auf dem Nachhauseweg hängen zu bleiben.**

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*Sight and Sound, 20 (2010) 2, S. 30
** sirk in: na dann, Ausgabe 5 (2010) = 04.-10.02.2010, S. 4

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WILLY VLAUTIN stammt aus Reno, Nevada, wo er mit 16 Jahren seine erste band gründete. Da ihm dort aber nur Kojoten zuhören wollten, zog er nach ... gähn ... wohin wohl ... genau ... (indie music capital of the western hemisphere) Portland, Oregon. Dort gründete er 1994 die band RICHMOND FONTAINE, welche seitdem zwölf Alben (mit so illustren Gastmusikern wie HOWE GELB, CALEXICO, usw.) veröffentlicht hat, die man nahezu allesamt bei Glitterhouse Records käuflich erwerben kann.

Im Grunde seines Herzens ist WILLY allerdings Romancier, den man bereits mit RAYMOND CARVER und JOHN STEINBECK verglichen hat. (Auf deutsch sind im Berlin Verlag bislang "Motel Life" und "Northline" erschienen - beides todtraurige Werke über Ausgestoßene der Gesellschaft in den an Casinos reichen, an menschlicher Wärme allerdings armen Neonlichtwüstenoasen Reno, bzw. Las Vegas, Nevada.) Seinen schriftstellerischen background lässt er auch in die Musik seiner band einfließen, die man getrost als im besten Sinne konservativ instrumentierten alternative country titulieren kann. VLAUTINs Texte allerdings sind es, die RICHMOND FONTAINE aus der Masse dieses genres hervor heben und die das Quartett als "literarische band" in die Nähe von Gruppen wie OKKERVIL RIVER oder SHEARWATER rücken lässt.

Einen Mädchenschwarm wie OKKERVIL RIVERs WILL SHEFF haben RICHMOND FONTAINE allerdings nun mal so gar nicht zu bieten, vielmehr ist man allesamt so um die 40, leicht angegraut und bauchansätzig, also nicht gerade hip, in etwa so wie THE WRENS. Brauchen sie auch nicht zu sein, angesichts ihrer tief in US-amerikanischer roots music verwurzelten Stücken, die trotzdem immer mit reichlich pop appeal versehen sind, ohne dabei gleich DECEMBERISTSsche Orchestralität anzunehmen: RICHMOND FONTAINE sind eine durch und durch sympathische, völlig unprätentiöse und immer auf dem Boden gebliebene band, die es erst mit ihrem jüngsten Album mit dem schönen Titel "We used to think the freeway sounded like a river" in die charts geschafft haben ... in Großbritannien - RICHMOND FONTAINE: File under "work", not "hype".

Im Vorprogramm gibt es die weitaus jüngeren SUSANNE STANGLOW und ULRICH SCHMITZ mit ihrem traumhaften neo folk auf die Ohren, welche sich als isländisches Geschwisterpärchen unter dem Namen HARUKO & HLYNUR GUDJONSSON tarnen. Dabei stammt man / frau aus dem an Geysiren eher armen Osnabrück, wohnt jetzt in Bremen, singt Englisch und ist auch sonst schwer kosmopolit. Und traurig: Denn "sad folk" lautet die Selbstbezeichnung der beiden für das, was sie Euch darbringen wollen, wobei diesbezüglich natürlich die Referenzfolie BONNIE "PRINCE" BILLY aus der genre-Schublade gezogen werden muss.

::: Links :::

- http://www.willyvlautin.com
- http://en.wikipedia.org/wiki/Willy_Vlautin
- http://www.berlinverlage.de/autor/autorDetails.asp?autorID=661

- http://www.richmondfontaine.com
- http://www.myspace.com/richmondfontaine
- http://en.wikipedia.org/wiki/Richmond_Fontaine
- http://de.wikipedia.org/wiki/Richmond_Fontaine
- http://www.lastfm.de/music/Richmond+Fontaine

- http://hlynur.tumblr.com
- http://hlynurgudjonsson.hl.funpic.de
- http://www.myspace.com/hlynurgudjonsson
- http://www.lastfm.de/music/Hlynur+Gudjonsson

„And if you love him / Oh, be proud of him / ‘Cause after all he’s just a man / Stand by your man“ (Tammy Wynette)

„I know it’s hopeless hell / Ain’t big enough to hold us back / Come on let’s pick a fight / We hunt for trouble tonight“ (Astronautalis)

Synopsis: Die drei Brüder Son (Michael Shannon), Boy (Douglas Ligon) und Kid (Barlow Jacobs) Hayes, allesamt verarmte Gelegenheitsarbeiter, sind nicht nur Abkömmlinge des white trash der amerikanischen Südstaaten (in diesem Fall Arkansas), sondern auch verbitterte Sprösslinge einer kaputten Familie.

Ihr verhasster Vater dagegen hat in ihren Augen den Absprung geschafft, eine neue Frau geheiratet und ihre noch verhassteren Stiefbrüder aufgezogen – ihr Anblick allein bedeutet stete Demütigung.

Als Vater Hayes stirbt, kommt es bei seiner Beerdigung zum längst überfälligen Eklat: Son redet schlecht über ihn und spuckt auf den Sarg. Eine Schlägerei während der Trauerzeremonie kann gerade noch verhindert werden, doch die vier Halbbrüder von Son, Boy und Kid wollen diese Schmach nicht ungesühnt lassen: Sie töten Boys’ Hund Henry mit Hilfe einer ausgesetzten Giftschlange.

Kritik: Jeff Nichols, zusammen mit seinem Bruder Ben, der hier mit seiner band Lucero den kargen, aber wunderschönen soundtrack beisteuert, in Arkansas aufgewachsen, hat seinem Heimatstaat, der hierzulande wohl nur dadurch einen gewissen Bekanntheitsgrad erreicht hat, weil der ehemalige US-amerikanische Präsident Bill Clinton dort mal Gouverneur war, mit seinem Drehbuch- und Regiedebüt ein wenig schmeichelhaftes filmisches Denkmal gesetzt, in etwa vergleichbar mit dem bitteren Abgesang von Phil Morrison auf dessen Heimat North Carolina in dem wunderbaren JUNEBUG.

War Morrisons Werk immerhin noch von anheimelndem Humor durchdrungen, hellt in SHOTGUN STORIES allerdings keinerlei Lächeln oder beiläufig angedeuteter Witz die triste Szenerie auf: Nichols umschifft nahezu sämtliche optisch nahe liegenden Südstaaten-Klischees (Arkansas sieht überraschenderweise aus wie Ostwestfalen), wobei sein Kameramann Adam Stone dennoch immer wieder „Bilder zum Niederknien“ (epd Film) findet, was die durchweg düstere Grundstimmung der SHOTGUN STORIES aber auch nicht retten kann:

Präzise und unerbittlich dokumentiert, nehmen die Blutrache-Gelüste der eigentlich gar nicht so verschiedenen Halbbrüder ihren verhängnisvollen Lauf, doch die Gewalt wird dankenswerterweise nur angedeutet. Vielmehr sind es die verhärmten und verhärteten Gesichter, allen voran das des wieder einmal erschütternd intensiven Michael Shannon, der hier erneut eine Oscar-reife performance, wie schon in ZEITEN DES AUFRUHRS geschehen, abliefert, die den wahren Schrecken, der von diesem American gothic-Gespenst von Film ausgeht, unbarmherzig verbreiten.

Nicht nur was die Ausblendung von Brutalo-Szenen angeht, unterläuft SHOTGUN STORIES, während sich die gelinde gesagt unangenehme Handlung zu einem wahren Blutschwall zu entwickeln droht, dabei konsequent etwaige Erwartungshaltungen des dennoch jederzeit unangenehm berührten Publikums:

Denn das „Ende“ von SHOTGUN STORIES treibt dieses gekonnte Spiel nur noch auf die Spitze – es lediglich „offen“ zu nennen, wäre eine Untertreibung. Plötzlich hält die Gewaltspirale inne, fast sowas wie Hoffnung ist dann doch endlich spürbar, die allerdings angesichts des gewaltigen 90 Minuten andauernden Schattens, die Nichols & Co. einem hier auferlegen, einfach nur trügerisch daher kommen kann.

SHOTGUN STORIES schafft es, mit karger Bildsprache und rudimentärer Tonspur, männliche Gewalt und die grenzenlose Dummheit, die mit ihr einher geht, ohne falsches Pathos oder gar einen Anflug von Moralgedusel auf die Leinwand zu bringen: Ländliches, nicht nur geographisch gesehen weitab von Hollywood funktionierendes Kino, das allerdings bei Betrachtung wenig Freude hinterlässt, weil hier alle Charaktere wie menschliche Sprengkörper durch die Gegend laufen, jeglicher Humanismus im Keim erstickt wird und sich ein Gefühl von solch grenzenlosem Kummer breitmacht, dass SHOTGUN STORIES, so sehenswert er auch sein mag, einem nicht nur das Cinéasten-Herz, sondern gleich auch noch den Rücken bricht.

Und sich nicht eine Sekunde dafür schämt.

Was für ein böser Film.

(http://unverstaendlichesgespraech.wordpress.com)